Películas de culto; "Salvad al tigre" de John G. Avildsen

El cine norteamericano de los años 70 se vuelve oscuro y turbio de la noche a la mañana. Con las últimas producciones de la década anterior ("Bonnie And Clyde", "¿Quién teme a Virginia Woolf?", "El graduado"...), el cine de Hollywood toma otros derroteros, y es en la década de los setenta cuando un nuevo cine ocupa todas las pantallas ofreciendo al público una realidad muy alejada a la realidad que Hollywood siempre quiso vender a los norteamericanos; ansiedad, frustración, miedo, corrupción, sexo, violencia, desconfianza... son los temas principales de una serie de filmes que dinamitaron desde dentro el sistema de Estudios y sirvieron como plataforma para que una serie de nuevos directores con mucho que decir (Coppola, Spielberg, Scorsese, Friedkin, Bogdanovich, Ashby...), tomaran el control y realizasen una serie de filmes muy interesantes, algunos verdaderas obras maestras y otros, clásicos de culto y curiosos experimentos narrativos que a día de hoy siguen sorprendiendo por su osadía y valentía.

"Salvad al trigre" de John G. Avildsen (el director de "Rocky"), es un excelente ejemplo de ello y es un film muy desconocido que merece un nuevo visionado para descubrir todas sus virtudes y la enorme complejidad que pervive en su historia.

Protagonizada por Jack Lemmon, el film ganó el Oscar al mejor actor protagonista (segundo Oscar para Lemmon, primero a mejor actor principal), y fue nominado en las categorías de Mejor Actor Secundario (Enorme interpretación de Jack Gilford), y al excelente guión de Steve Shagan.

Narra la historia de Harry Stoner, un hombre de mediana edad, veterano de La Segunda Guerra Mundial, que está atravesando una crisis de identidad bastante grave y cuyos cimientos personales se verán gravemente amenazados en el día y medio en el cual transcurre la historia.

Efectivamente el tiempo narrativo es lo primero que nos llama la atención en esta historia; tan solo un día y medio, y es por ello que toda la acción dramática está bastante concentrada y ofrece una curiosa muestra cinematográfica para conocer, de primera mano, la realidad diaria de un personaje que en otro tipo de filme sólo hubiese tenido pinceladas anecdóticas y temáticas más cercanas al rol de un personaje secundario al uso.

Como ejemplo de lo anterior la secuencia que abre la película; veinte minutos en el dormitorio del personaje que interpreta Jack Lemmon donde le vemos levantarse de la cama, ducharse, hablar con su mujer, desayunar, ver la televisión... veinte minutos que se nos pueden antojar anodinos y aburridos a menos que sepamos leer entre líneas y captemos la verdadera grandeza de todo lo que en estos minutos nos cuenta la película; En primer lugar nos presenta de manera magnífica al personaje protagonista, luego desarrolla los temas importantes del filme de manera sutil y por último escenifica de manera perfecta (en fondo y forma) la grave inestabilidad mental del personaje principal.

A continuación se desarrolla el segundo acto de la película y es aquí donde podemos observar la otra realidad del personaje; su trabajo, sus relaciones de amistad... y donde se nos muestra (también muy importante en la trama) otra cara de la ciudad de Los Ángeles.

Recalco la idea de "la otra cara de la ciudad de Los Ángeles", porque la película se explaya en mostrar ambientes y tipos de dureza extrema (me atrevería a decir que este filme es el hermano mayor de "Un día de furia"), y el personaje atraviesa los diversos espacios que componen el filme (y por ende los demás personajes), con una presión que se siente y se palpa en cada uno de los encuadres realizados por el director.

Harry Stoner es un personaje que debe sobrevivir en un mundo que no ofrece segundas oportunidades y es por ello que, aunque parezca lo contrario, el personaje es bastante activo en la trama (toma muchas decisiones a contrareloj), y demuestra una doble moral bastante acusada en ciertos momentos de la trama, doble moral que el cine norteamericano hasta ese momento había ocultado en la inmensa mayoría de sus películas y que ahora era capaz de mostrar en filmes como el que nos ocupa.

El contrapunto de Harry es su contable, un hombre de ideas nobles y legales, inquebrantable en su sentido de la lealtad y el deber, que se verá también inmerso en asuntos extraños y turbios y cuyo instinto de supervivencia también se pondrá a prueba.

Los diálogos que se establecen entre los dos personajes son de una grandeza dramática y verbal inusitada, ya que en realidad los dos personajes podrían ser el mismo hombre, sólo que uno de ellos hace mucho que se dió por vencido (Lemmon) y el otro aún tiene esperanzas (Gilford). Esta ambivalencia produce en la acción dramática momentos brillantes de una verdad memorable.

Al final del día, cuando todo parece perdido, Harry volverá a sentir algo de aquello que dejó atrás, y es que la película y el objetivo del personaje, no es otro que el de recuperar "cierto tiempo perdido", aquel espacio entre nuestros recuerdos y nuestros sueños donde una vez fuimos felices y todo era más fácil.

La penúltima secuencia de la película (quizás Lemmon no ha estado tan tremendo y genial jamás...), se produce en una casa al lado de la playa. Harry hace el amor con una joven que sólo piensa en el hoy, una joven que representa lo que Harry dejó de ser, lo que Harry admira tanto... y llevado a la triste realidad de pronto, sabiendo ya que el tiempo pasado nunca volverá.... Harry decide empezar de nuevo y para ello no tiene más remedio que olvidar, en parte, quien es.

Si he contado el final del filme es porque no importa; hay que verlo, sentirlo... de hecho sabemos a los veinte minutos de película cual será el final de la misma, pero aún así no podemos ni imaginar la increíble sesión de profundidad interpretativa que Lemmon ofrecerá en los últimos minutos, y la enorme sesión de reflexión que Avildsen nos ha regalado en un filme que parece no tratar de nada... y encierra dentro de si, no pocos temas importantes, vitales, necesarios... reales.

"Salvad al trigre" es una de las mejores películas norteamericanas de los años 70. A día de hoy (sólo que tamizada por un "intelectualismo de salón y de aburrida progresía..."), se sigue copiando en mucho de los filmes que vemos a diario.

Lo mejor de "Salvad al tigre" es que en 90 minutos cuenta una vida entera. No es tarea fácil. Y los que tratamos de hacer lo mismo lo sabemos.

MI NOTA: 8

LO MEJOR: Jack Lemmon. Quizás la mejor interpretación de su larga y soberbia carrera. Jack Gilford; un enorme secundario de los de toda la vida dando una lección maestra de interpretación cinematográfica.

LO PEOR: Que sus primeros veinte minutos minen tu paciencia y te hagan pensar que estás ante una película que no trata de nada.

SE PUEDE ENCONTRAR EN: Editada por PARAMOUNT en una excelente copia a partir de 5,95 euros.

Joyas a descubrir: "Hud, el más salvaje entre mil", de Martin Ritt

El cine norteamericano de los años 50 y 60 está lleno de obras maestras que son desconocidas para el público en general, bien porque el tiempo ha impuesto un velo sobre ellas o bien porque en el año de producción de estas películas, otras obras (quizás menores), se llevaron la fama y de paso lograron su lugar en la historia, y ya sabemos que la historia (sobre todo la historia del cine), a veces, no hace justicia real a los títulos que aparecen en ella.

"Hud, el más salvaje entre mil" es uno de estos títulos memorables que merecen un rescate por parte de los cinéfilos y público interesado , primero por su enorme calidad cinematográfica y segundo por su interesante aportación a un género que se ha mal-entendido como "western moderno", género al que pertencen otras cintas como "Cowboy de Medianoche", "la última película" o la más reciente "Brokeback mountain", de hecho las dos últimas (y la que nos ocupa) son guiones adaptados de las novelas de Larry McMurtry, un autor norteamericano que relata historias humanas y modernas en el Texas de los años 50 y 60.

"Hud, el más salvaje entre mil" está dirigida por Martin Ritt y protagonizada por Paul Newman, Melvyn Douglas y Patricia Neal. Ganó los Oscars en el año 1963 a Mejor actor secundario (Douglas), mejor actriz principal (Neal) y mejor fotografía en Blanco y negro (enorme trabajo de James Wong Howe que a día de hoy sigue impresionando por su estética y su definición),  y estuvo nominada a 4 estatuillas más, entre ellas Mejor Director para Ritt y mejor actor protagonista para Newman, así como guión adaptado para el sobresaliente trabajo de Irving Ravetch y Harriet Frank, Jr.

El film narra la historia de Hud Bannon, el hijo rebelde de un respetable ranchero Texano que está en continuo desacuerdo con su padre y cuya vida está llena de alcochol y mujeres.

El tema central de la película es el conflicto generacional que se establece entre un padre y un hijo, tema que ya habían tratado películas anteriores como "Al este del Eden" o "Rebelde sin causa", pero en "Hud" esta temática toma otros derroteros más interesantes y pocos explotados en filmes anteriores, sumando al argumento interesantes reflexiones sobre la soledad, el pasado o incluso el sexo.

Lo más interesante del film es su sabia puesta en escena y unas enormes interpretaciones que llenas de matices elevan el film hacia cotas impresionantes de arte cinematográfico, interpretaciones que logran conmover, impresionar y quedar grabadas en nuestra memoria. Douglas realiza una interpretación memorable como padre de Hud, un personaje que vive apenado por la muerte de su mujer y lucha por inculcar a Hud valores como la responsabilidad y el respeto, y el personaje que interpreta Patricia Neal, la asistenta interna de la familia cuyo rol es maternal y que despierta deseos sexuales en Hud y en su sobrino adolescente, es toda una lección clara y brillante de arte escénico e interpretativo, que no busca llamar la atención con aspavientos y exageraciones, si no que por el contrario busca la verdad en los momentos pequeños y los gestos mínimos que muestran la pura esencia de un personaje.

Memorables son las secuencias donde el personaje de Patricia Neal está en la cocina preparando de comer y Hud (Paul Newman), intenta seducirla con un cortejo velado pero lleno de carga sexual, una carga sexual que impregna todas las secuencias en las cuales aparecen los dos personajes y que tendrá su reverso trágico casi al final del film, cuando Hud intente hacer sus deseos realidad y Neal deba enfrentarse por primera vez a un personaje que no sabe canalizar sus deseos más íntimos. En este momento el film se torna oscuro, y la interpretación de Neal adquiere una dimensión y fuerza que hemos intuído a lo largo de todo el metraje, pero que no veremos hasta ese momento.

El film está lleno de secuencias impresionantes, (el sacrificio del ganado, cuando el padre de Hud se encuentra a este en un restaurante y lo humilla públicamente....), y su sabia puesta en escena engrandece el resultado final. A destacar la increible música de Elmer Bernstein y la fotografía de James Wong, departamentos artísticos que crean la atmósfera necesaria para que la historia navege entre una resultado formal impecable y un resultado dramático de verdadera tensión.

Cuesta creer que Paul Newman no ganase el Oscar al mejor actor principal por esta enorme actuación que no gozó de tanto reconocimiento en el momento de su estreno y ahora se sabe que creó escuela; los personajes que muchas veces interpretan en el cine Pitt o Di Caprio (incluso sus maneras de actuar...), son herencia directa de esta interpretación, y me atrevería a decir que Newman y no Dean o Brando fue el GRAN actor de su generación.

"Hud" tuvo una especie de secuela en el film de Bogdanovich "la última película", otra maravillosa muestra del "género" western moderno y de la cual hablaremos próximamente.

Es "Hud, el más salvaje entre mil", uno de los mejores filmes que he visto jamás; vivo e intenso, lleno de fuerza y garra, genialmente interpretado y sabiamente dirigido. Es uno de esos filmes invisibles y modestos que se agarran dentro de ti desde el primer momento y sin ninguna duda entiendes, delante de la pantalla, que estás ante una obra maestra, una película única e irrepetible.

MI NOTA: 9

LO MEJOR: TODAS las interpretaciones. Memorables. Para estudiar en las escuelas de interpretación.

LO PEOR: Newman se quedó sin el Oscar al mejor actor protagonista. Que se confunda con un Western Moderno, género que no existe, aunque muchos se empeñen en decir que sí.

SE PUEDE ENCONTRAR: Hay una edición editada por PARAMOUNT DVD a partir de 5,25 euros en AMAZON.

Mi lista de las películas más sobrevaloradas de la historia (I)

Juro que no quiero tocar los cojones ni enfadar a nadie pero me muero si no pongo en mi blog mi lista de las que considero algunas de las películas más sobrevaloradas de la historia del cine. Intentaré explicar brevemente el motivo por el que considero que deben tener el "honor" de aparecer en este post.

Como siempre digo; es cuestión de gustos. Me limito a dar mi opinión con un poco de sorna e ironía, sin dejar de lado mi sentido crítico.

- CIUDADANO KANE (Orson Welles. 1941)

Para muchos la mejor película de la historia. Para mi un engreído trabajo de un engreído director que quería demostrar a toda costa que por cojones tenía que intentar filmar LA PELICULA de las películas. Lo curioso de todo este asunto es que el filme no deja de copiar planos, estilos y momentos de filmes de veinte años antes y de dos directores en concreto; Frizt Lang y Murnau. Si has visto "AMANECER", "SPIONE" o "EL ÚLTIMO", "CIUDADANO KANE" no impresiona.

- VÉRTIGO (Alfred Hitchcock. 1958)

Me da igual que sea el maestro del suspense y que en su haber tenga verdaderas obra maestras; "Vértigo" es un puto coñazo que reitera una y otra vez las mismas ideas y los mismos momentos, como por ejemplo la segunda secuencia (el personaje protagonista hablando de sujetadores y luego subido en una silla para saber si se ha curado de su fobia...) ¿De verdad es necesaria esta secuencia de 10 minutos que no aporta nada a la trama? ¿Y qué decir de desvelar el final de la película a la mitad de metraje? ¡Tanto rollo para explicar que un tío está enfermo y quiere follarse a una muerta!

- MUJERES AL BORDE DE UN ATAQUE DE NERVIOS (Pedro Almodóvar. 1988)

La he visto hace nada y durante los primeros 45 minutos no pasa nada de nada. De hecho se hace lenta y tediosa. Eso si, es tope de bonita; los planos, los colores, la música.... Falla el ritmo de los diálogos y las actuaciones están forzadas. Cuando habla un personaje el otro ya está preparado para responder sin naturalidad. No tiene argumento ni acción dramática.

- BROKEBACK MOUNTAIN (Ang Lee. 2005)

La vendieron como una película de vaqueros... gays!!!!! Menuda manera de vender una película, ¿a quién querían engañar? Lo de gay, vale, pero lo de ¿película de vaqueros? No se lo cree ni tito Clint. La historia iba y venía por los lugares más tópicos y simplones del cine romántico de toda la vida. Sólo faltaba la música de LOVE STORY. Dos cosas que nunca entendí; no quieres que nadie se entere de que eres gay y te besas EN LA PUERTA DE CASA, A LA VISTA DE TODOS!!!! Dos horas y media viendo una historia y para cerrarla me matas a uno de los personajes principales y el otro se entera por medio de UNA POSTAL!!!!!!!!!!!!! No, no puedes hacer eso, Sr Guionista, no puedes!!!! Lo que voy a decir ahora me hará ganar enemigos, pero lo siento, es lo que siento; CRASH es mucho mejor película. Le pese a quien le pese. Y ya no te digo MUNICH.... Todas ellas nominadas al Oscar ese mismo año.

- ORIGEN (Christopher Nolan. 2010)

No negaré que Nolan es un buen director, incluso me atrevería a decir que es MUY BUEN DIRECTOR, pero tiene la santa manía de complicar sus películas con tramas y más subtramas, con personajes y más personajes... y donde podía existir una buena película de cine puro, algo de inteligencia y mucha marcha, existe un cine pesado, presuntuoso en alguna que otra ocasión y sobre todo muy, muy, muy denso. ORIGEN es un coñazo como la copa de un pino. Muy bien hecha, muy bien montada, con escenas de acción que rayan la perfección... pero la película agota mentalmente y no debería ser así puesto que tampoco la ha rodado Godard O Bergman, o al menos eso creo. La escena de la nieve y la furgoneta cayendo al río es de risa... En el cine no dejaba de mirar el reloj y me preguntaba; "¡cuando terminará esta tortura china!".

- 21 GRAMOS (Alejandro González Iñarritu. 2003)

Recuerdo estar viendo esta película en el cine y pensar "madre mía.... tanto sufrimiento, tanto personaje torturado... tan poca medida entre un momento dramático y otro, sin lugar para el descanso, lo bello o la esperanza.... menudo tremendista este señor". Un coñazo de esos que jamás he vuelto a ver, donde los actores me parecían estar todos con cara de Marlon Brando, rollo "mira que pedazo de actor soy y lo bien que lo hago... ¿te apuestas que me nominan al Oscar?".  Menos mal que el director nos regaló años después la estupenda "BABEL". Lo dicho; demasiado sufrimiento... menos es más..... cuando uno satura la pantalla de tremendismo suele causar el efecto contrario.... Lo reconozco; "21 gramos" me hizo reír es más de un momento. Parecía adolecer del mal de nuestros primeros cortos; se tremendo... se dramático hasta límites babosos.

- FARGO (Hermanos Coen. 1996)

Una película donde salen muchos personajes hablando en coches, bares y restaurantes. Donde la ¿protagonista principal? aparece a la media hora de película y donde la trama no avanza hasta los últimos diez minutos. Todo ello con mucha nieve, algunos silencios y una galeria de personajes locos y caricaturizados al máximo. Ganó dos Oscars; mejor guión original y mejor actriz. Brenda Blethyn espera desde esa noche su Oscar a la mejor actriz por "secretos y mentiras" y Mike Leigh idem por el guión de la misma película.

CONTINUARÁ....

Joyas a descubrir; DIVORCIO A LA ITALIANA, de Pietro Germi

El cine italiano que se rodó desde la Segunda Guerra Mundial hasta finales de los años 70 está lleno de obras maestras. Me atrevería a decir que ni siquiera Hollywood en sus mejores tiempos (lo que ya es decir mucho) ha sido capaz de captar tan bien la esencia de cada época y década del mundo y de un país en concreto como lo ha hecho el cine italiano.

Para mi, la Italiana, (junto con la Norteamericana), es la mayor y mejor cinematografía del mundo, y de hecho a día de hoy el cine italiano nos regala cada año un par de obras maestras que siempre suelen salir elegidas por crítica y público como algunos de los mejores filmes de la temporada. Por algo será...

La película que nos ocupa hoy es una enorme obra maestra y considero que es una de las películas mejor escritas que he visto jamás. Rodada en el año 1962 por Pietro Germi (considerado como uno de los pilares del cine italiano de la época dorada), está interpretada por Marcello Mastroianni, Stefania Sandrelli y Leopoldo Trieste entre otros enormes actores y ganó el Oscar al mejor guión original en el año 1963, siendo nominada también a los premios (¡ahí es nada!) de Mejor Director para Germi y Mejor actor protagonista para Mastroianni.

"Divorcio a la italiana" narra la historia de Ferdinando Cefalú, un barón siciliano que se enamora de su bonita prima Ángelica, de 16 años de edad y que siente lo mismo por él. El único obstáculo es la existencia de Rosalía, una mujer fea y petulante, que encima es la mujer de Ferdinando. Nuestro protagonista siente que tiene que deshacerse de su mujer y para ello (ayudado por un artículo del código penal de la época) idea un plan perfecto para "divorciarse" de su mujer y así poder disfrutar de su amor por la bella Angélica.

La premisa es simple; hombre casado que desea perder de vista a su mujer para poder iniciar la relación con la persona a la que ama de verdad... Lo que no es simple es la brillante ejecución que se le da a éste argumento en la película que nos ocupa.

En primer lugar Germi utiliza muy sabiamente una voz en OFF (la del protagonista) que nos sitúa de manera muy original dentro de sus pensamientos. Voz en OFF que aporta enormes datos a la historia y cuya estructura es de por si más que original pues funciona como contrapunto para situaciones y personajes.  Así por tanto no sólamente escuchamos los pensamientos del protagonista, sino que percibimos que de ellos (y de las escenas que se suceden) nace una sabia y curiosa relación que llena de movimiento y vitalidad a la película. Incluso en algunos momentos los pensamientos en OFF del protagonista se escenifican... por lo tanto no sólamente asistimos a lo que dice su mente, sino que podemos ver sus fantasias e interactuarlas con la realidad del momento escénico.

En segundo lugar los diálogos están escritos de manera brillante y cada personaje está definido perfectamente por breves actitudes que se irán repitiendo a lo largo de todo el film, lo que provoca que el espectador conozca perfectamente las intrigas de cada una de las historias y lo que es más importante; que conozca a unos personajes que se mueven por la escena con una naturalidad que pocas veces se puede ver en una película. Es de esos casos dónde cada personaje habla como tiene que hablar y hace lo que tiene que hacer, precisamente lo que hace que un personaje tenga éxito y sea redondo.

La puesta en escena de Germi también es brillante y hace uso de un inteligente modo de exponer el lenguaje cinematográfico que contiene todos los recursos que se puedan imaginar; aceleración de la imagen, flashback, tiempo suspendido, alteración de los puntos de vista.... etc, etc. Germi realiza una dirección increiblemente certera y utiliza todas las armas de la puesta en escena al servicio de la película, sin caer en soluciones fáciles o que distraigan al espectador. De hecho cada personaje del film tiene una puesta en escena diferente y Germi utiliza un recurso cinematográfico distinto con cada uno de los personajes, creando con ello una sabia diferenciación de tonos, atmósferas y caracteres.

Y si el punto fuerte de la película son todas las cosas que he reseñado en párrafos anteriores "EL PUNTO NUCLEAR" es la enorme interpretación que realiza Marcello Mastroianni; IMPRESIONANTE. La verdad es que no puedo ocultar que Mastroianni es mi actor favorito y que incluso lo considero mucho mejor actor que Brando o Penn (al menos ha tenido muchos más papeles y ha demostrado que puede hacer comedia y drama con igual soltura), y en este Filme Mastroianni realiza todo un festival de gestos, miradas y palabras que deben ser estudiadas por cualquier persona que quiera dedicarse (o se dedique) a la interpretación. Desde el inico (donde vemos a Marcello en un tren echando una mirada de deseo a una mujer), hasta el final del film (Marcello acariciando a su amor mientras la mira emocionado), Mastroianni da todo un concierto interpretativo lleno de matices cuyo truco y grandeza está en ser justo o exagerado cuando lo requiere el personaje o la acción. No hay más. Dominio absoluto de voz y cuerpo creando desde la nada a un personaje del cual veremos todo; desde tics faciales hasta miradas que nos anticiparan pensamientos y acciones futuras. Ahí es nada, señores. Ahí es nada.

Es "divorcio a la italiana" un film muy original y enormemente divertido, con un ritmo endiablado que conquista al espectador desde el primer minuto. De igual modo contiene no pocas inteligentes lecturas sobre la Italia rural de aquellos tiempos, sobre la burguesía, sobre el matrimonio, el deseo, la familia o la pasión. En pocas palabras; "Divorcio a la italiana" es una película viva que respira verdad por los cuatro costados.

Ayudada por una MARAVILLOSA banda sonora de Carlo Rustichelli (antológico el tema de amor), "Divorcio a la italiana" se permite tener hasta guiños con el cine italiano de aquella época y regala un profundo y genial homenaje a la "Dolce Vita" de Fellini, film protagonizado tres años antes por Mastroianni y cuyas imágenes (icónicas antes y ahora), podemos ver en este film a modo de crítica ácida hacia una sociedad católica que, aunque vela por la moral, no quiere dejar escapar un momento para poder visionar, aunque sea en una película, un poco de pecado y "bajeza moral".

Obra maestra sin lugar a dudas. Recomendable al cien por cien. ¡VIVA EL CINEMA ITALIANO!

MI NOTA: 9

LO MEJOR: Marcello Mastroianni en uno de sus mejores papeles cinematográficos.

LO PEOR: Que la gente piense que es una ITALIANADA MÁS por el título o el argumento.

SE PUEDE ENCONTRAR EN: Editada por Divisa home video a partir de 4 euros en AMAZON.

Joyas imprescindibles. "HA NACIDO UNA ESTRELLA" De George Cukor

No me tiembla el pulso al escribir que para mí, "ha nacido una estrella", la película que hoy ocupa mi blog, es una de las diez mejores películas que he visto jamás y me atrevería a decir que aunque no esté en la lista de las cien mejores películas de la historia (según los expertos críticos), "Ha nacido una estrella" supera en calidad a la mitad (o más) de las películas de la lista, simplemente porque es más auténtica, tiene más vida... En pocas palabras; es cine puro en estado de gracia.

"Ha nacido una estrella" es la segunda versión del clásico que rodó William A. Wellman en el año 1937, que a su vez es "un remake" de otra película de Cukor rodada a principios de los años 30 y títulada "Hollywood al desnudo".

La historia es de sobras conocida por todos; Un actor alcohólico que está en horas bajas conoce a una cantante de orquesta y la ayuda a dar sus primeros pasos en el mundo del cine. La cantante se convierte en una actriz muy conocida y el actor, que se casa con ella, se siente en segundo plano pues su alcoholismo impide que lleve una carrera interpretativa con toda normalidad. La actriz hará todo lo posible por ayudar a su marido a que salga del infierno de la bebida, aunque para ello sufra una tormentosa historia de amor y ponga en peligro su propia carrera cinematográfica.

La novedad de esta fabulosa versión es que se trata de "un musical" y lo pongo entre comillas porque "Ha nacido una estrella" versión Cukor´, está considerada como tal, pero desde mi punto de vista es un error. La película no es un musical, es un melodrama que contiene números musicales porque la protagonista es una cantante, y los mismos se van intercalando en la trama sin que tengan que ver con la acción principal de la película; hablando en plata, si existen números musicales es porque la protagonista está rodando un musical o bien está actuando en un bar o en una gala benéfica.

Habiendo aclarado un tema que podía echar para atrás a muchos espectadores que quieran descubrir esta enorme obra maestra (y de arte), pero que no son muy amantes del cine musical, "Ha nacido una estrella" se descubre como una película inmensa e impresionante, llena de talento en cada uno de sus campos, uno de esos filmes que han nacido para crear época, estilo y leyenda.

Rodada en glorioso Technicolor y Cinemascope, (fue la segunda o tercera película en utilizar este formato), el film producido por Warner Bros se convirtió desde el momento de su estreno en una cinta de culto y aún hoy es considerada como tal por muchos aficionados al cine que ven en este filme una prueba palpable y clara de lo que el cine (y el talento) es capaz de hacer cuando muchas y enormes fuerzas creativas se unen un solo proyecto.

Dirige George Cukor (considerado el mejor director de actores de toda la historia de Hollywood), escribe Moss Hart, dramaturgo de Broadway ganador del Premio Pulitzer, componen la banda sonora (y las maravillosas canciones) Arlen y Gershwin y actúan James Mason (nominado al Oscar al mejor actor protagonista) y Judy Garland (nominada al Oscar a la mejor actriz protagonista) que para un servidor realiza uno de los tres mejores papeles femeninos de toda la historia del cine norteamericano que incomprensiblemente no fue merecedor del Oscar a la mejor actuación femenina de aquel año, (Groucho Marx solía decir; "el mayor atraco de la historia de Hollywood fue no darle a Judy el Oscar a la mejor actriz por "Ha nacido una estrella".  Este hecho nos avergonzará hasta el final de nuestros días"). Sabias palabras las de Groucho.

Hay que ver la película para saborear de lleno la enorme actuación de sus dos actores protagonistas. Judy Garland, además de cantar mejor que nunca, y de incluso bailar!!!! nos ofrece una actuación dramática que deja un profundo recuerdo. Hay momentos memorables donde una mirada, una palabra o un gesto elevan la actuación de Judy hasta límites artísticos insospechados, pocas veces vistos u oídos en una película de ayer y de hoy. Podría señalar al menos unas veinte secuencias donde Garland está soberbia interpretando a esta cantante de orquesta que se hace famosa de la noche a la mañana, pero destaca sobre todo la escena donde después de rodar un número musical ella se derrumba y confiesa sus temores y miedos al productor de la película que está rodando en ese momento. Escena rodada en plano secuencia, (dura unos cuatro minutos), contiene cientos de matices dramáticos que sin lugar a dudas producen un enorme nudo en el estómago del espectador. No hay palabras. Hay que verla.

Mason está enorme en su papel de marido y actor alcohólico venido a menos. Y aunque su personaje puede parecer a priori algo desagradable, está trabajado desde una compasión y una humanidad que rallan el virtuosismo. Pocas veces se ha visto en el cine un personaje tratado con tanto respeto aún siendo uno de esos típicos personajes que están al borde del abismo.

Por si fuese poco (que no lo es) "Ha nacido una estrella" es una lúcida y amarga reflexión sobre el mundo de las candilejas; el éxito, el fracaso, la mentira, el negocio.... y sobre todo de una de sus máximas; "el espectáculo debe continuar".

El film camina entre la comedia romántica, el drama, el cine musical y la tragedia, todos estos géneros unidos por una fina línea que cuando se cruza no molesta, y no molesta porque los mecanismos de la ficción que utilizan Cukor y Hart están trazados con la perfección de un reloj suizo.

Cuando se busca la risa no es una mueca fáci, sino la respuesta ante algo que nos ha provocado buen sabor de boca. Cuando se busca el romanticismo no suenan violines, sino que el director ahonda con calma y verdad en el interior de lo que sienten y viven los personajes. Cuando sale a relucir el drama, la ficción explota con recursos narrativos vivos y sinceros, con un ritmo mantenido de manera brillante, nunca cansino... Y cuando se percibe la tragedia no se busca la lágrima fácil (ni tampoco la pena o la compasión), simplemente se expone con toda claridad el límite de una situación que sólo tiene una salida... y el final pilla al espectador sobrecogido en su butaca, seducido por unas imáganes y unos sonidos que durante todo el film han presagiado un destino entre un amanecer, las olas de un mar enfurecido, y la voz de una mujer que desde la lejanía, con el sol saliendo en el horizonte, canta una canción a alguien que se prepara para dar la última "actuación de su vida".

Las secuencias que vienen después de este ENORME MOMENTO cinematográfico están llenas de una verdad que duele (más que reconocida en nuestros días debido a  una prensa barata y sin corazón que hace de las tragedias personales un negocio único), y las dos últimas secuencias cierran con broche de oro una de las películas más impresionantes y mágicas que se han filmado (y se filmarán jamás).

Como he dicho en párrafos anteriores, "Ha nacido una estrella" contiene al menos unas veinte secuencias que pueden ser reseñadas y serán recordadas por todos aquellos que visionen la maravillosa propuesta de Cukor. Secuencias rodadas con mano sabia, poniendo el énfasis en cada momento y/o sensación que el director quiere dar a entender, conteniendo cada una de ellas una enorme claridad expositiva, todo ello utilizando una puesta en escena sencilla pero directa, sin grandes alardes técnicos pero utilizando una ágil movilidad de la cámara que resuelve las escenas en dos o tres planos.

Cuando la película termina tenemos la sensación de que algo muy grande acaba de pasar por delante de nuestros ojos. A pesar de las tres horas de metraje (versión restaurada del director), el tiempo ha pasado volando y no tenemos la sensación de pesadez que otros grandes filmes (aunque también muy valorados y memorables), nos han dejado en otras ocasiones.

"Ha nacido una estrella" es un filme que marcó una época del cine clásico, aquella en la cual las películas eran MÁS GRANDES y MEJORES (Mucho presupuesto, historias lujosas....), aunque el acierto de este filme es encerrar en sus entrañas una historia pequeña y cotidiana y el haberla contado de la mejor manera posible; a ras de suelo... sin caer en enormes tentaciones dramáticas y/o materiales que buscan impresionar al espectador de la manera en la cual los malos directores logran la atención; disfrazando el vacío de ideas con una forma a rebosar de malabarismos inútiles y ridículos.

"Ha nacido una estrella" fue "mutilada" dos meses después de su estreno en los EE.UU (se cortó al menos el negativo de 25 minutos de película), y el film se exhibió con estos cortes hasta que en el año 1983 las escenas cortadas fueron recuperadas y montadas tal y como Cukor lo había hecho en la primera copia.

El nuevo montaje de "Ha nacido una estrella" revela una enorme película, de una calidad insuperable... La esencia del cine (magia, sueño e ilusión), elevadas a la máxima potencia. Lástima sentir y saber que películas así ya jamás serán rodadas, primero porque serían muy caras de hacer y segundo porque en un mundo que viaja a la velocidad del rayo los matices ya no importan y los filmes pasan "de puntillas" por aquellos momentos que pueden hacer de una película más, una obra maestra.

Por cierto, Clint Eatswood está rodando una nueva versión que se estrenará (si todo va bien) a finales del año que viene). Será la quinta, pues "ha nacido una estrella" cuenta con una cuarta (y patética versión) realizada en el año 1976 y protagonizada por Barbra Streisand y cuya acción transcurre en el mundo de la música rock.

A ver que hace Eastwood, pero mucho me temo que no podrá ni superar ni igualar la magia ni la calidad de la versión de Cukor.

MI NOTA: 10.

LO MEJOR: Todo.

LO PEOR: La chapuza de su edición de dvd en España. (Lo cuento más abajo)

SE PUEDE ENCONTRAR: En el año 2010 se editó por primera vez en España (en dvd) "Ha nacido una estrella" en una edición de tres discos... que es un timo!!! ¿Por qué? Porque la versión restaurada del director no está en su formato original 2:55, sino en 1:85, por lo que la imagen sufre una enorme amputación a ambos lados y la imagen está ridículamente estirada. El segundo disco trae la versión CENSURADA, tal y como se estrenó en España, ¿problema? pues que no está en widescreen anamórfico, sino en letterbox, con lo que la calidad de imagen (aunque más cercana a como fue concebida) es pésima. El tercer disco de extras si está muy bien y contiene muchas curiosidades.

Para ver "Ha nacido una estrella" en todo su esplendor y en su formato original anamórfico hay que COMPRAR en AMAZON UK (Inglaterra) el BLU RAY de la película que contiene audio y subtítulos en castellano. La película aunque está editada en los EE.UU no es NTSC (Zona 1), sino multizona, por lo que puede se reproducida sin problemas en cualquier lector de España. Como es lógico el precio de la copia es un poco caro, con gastos de envío sale alrededor de unos 27 Euros, pero sinceramente merece Y MUCHO la pena. Sale más caro ir al cine para ver cualquier porquería de las que ponen actualmente en las salas.



Cine español; "La flor de mi secreto" de Pedro Almodóvar

No puedo (ni quiero) esconder mi admiración por este film de Almodóvar que considero, de lejos, una de sus mejores obras. La verdad es que la filmografía del manchego está dividida (o muchos la dividen así) entre obras mayores y "obras menores", pues bien; si "obras menores" son "La flor de mi secreto", "carne trémula" o"La mala educación", que venga Dios y lo vea!!! A mi me parecen no sólamente excelentes películas, si no muestras palpables y demostrables de que Almodovár, cuando se lo propone, es un excelente narrador de historias y que se puede "salir del tiesto" con resultados más que curiosos, originales y, por qué no decirlo, brillantes.

"La flor de mi secreto" es un film que se cataloga como "obra menor" del manchego, de hecho es denostada por muchos fans del director, que la consideran muy alejada de su tono y aburrida ya que, "excepto en los momentos de humor" (marca de la casa más que reconocible...), según estos "críticos" "no se encuentra la escencia pura del cine de este autor"... Y ahora digo yo, ¿qué es esencia?, es más, ¿Por qué nadie puede tener no sólo una esencia, sino varias...? O  mejor aún, ¿Por qué definir el cine de un autor por lo que esperamos de él en base a unas obras ya pasadas que han tenido éxito y han marcado una senda reconocible?

Bien, para gustos los colores. En esto del cine nadie (o casi nadie) tiene la verdad, pero eso no debe impedir que cada cual explique y/o relate  las excelencias de una obra según su punto de vista, así que vamos a ello.

¿Por qué considero que LA FLOR DE MI SECRETO es una de las mejores películas de Almodóvar?

- En primer lugar la historia se desarrolla en una línea de acción dramática clara y concisa. Hay una protagonista que tiene un conflicto definido y claro, y alrededor de este personaje viven y actúan otros personajes secundarios que llenan la historia de intrigas secundarias que enfatizan la trama principal de una manera cohesionada. Hablando en plata; no tengo la sensación (como en otros filmes del manchego), de que la historia, y con ella sus personajes, se pierden por los "cerros de Úbeda". Tuve la anterior sensación en "Hable con ella" (desde mi punto de vista hay muchos personajes que no aportan nada a la historia y la acción empieza a los 50 minutos), de igual modo aunque TODO SOBRE MI MADRE me parece su mejor filme, cada vez que la veo tengo la sensación de que los personajes están metidos en el filme de forma caótica y desordenada y que muchos tienen los mismos conflictos y por ello se hubiesen podido fundir en un solo personaje o bien dejar para otra historia. Esta sensación hace acto de ausencia en LA FLOR DE MI SECRETO. En realidad es una película clásica en cuanto a estructura, pero como siempre digo "en lo sencillo está lo complicado".

- Desde mi punto de vista (y al igual que ocurre en la estupenda "¿qué he hecho yo para merecer esto?"), los personajes femeninos del filme no están GAY-MITIFICADOS. ¿Qué quiero decir con lo anterior? Pues que tengo la sensación de que en algunas de las películas de Almodóvar los papeles femeninos no son "verdaderos", sino que se corresponden con la visión de un gay que mitifica todo aquello que es femenino, dejando por lo tanto fuera de esta visión, una parte real e importante de cómo son las mujeres en realidad. Esto viene bien en algunas películas,  pero en otras no ayuda a crear a mujeres reales, sino a caricaturas.

Me explico; no estoy diciendo que Almodóvar, como homosexual, no sepa escribir papeles de mujeres, simplemente estoy diciendo que deja que su condición sexual afecte de lleno a la realidad de la mujer.

Por ejemplo, Visconti también era homosexual, pero las mujeres de su cine son reales. Cassavetes no era homosexual pero las mujeres de su cine son reales. Incluso Woody Allen es más certero cuando presenta a una mujer en su cine. En el cine de Almodóvar, muchos de sus personajes femeninos, están llenos de matices y "momentos" que sinceramente (y conozco y he observado a muchas mujeres a lo largo de mi vida) jamás he visto en ninguna de ellas.

De hecho, mi teoría se prueba al analizar los personajes masculinos que crea Almodóvar; en todas sus películas los hombres (heterosexuales) son Borrachos, o maltratadores, o violadores, o infieles o acusan graves problemas de comunicación... y cuando son "buena gente", son homosexuales y/o afeminados.

Esto es psicología pura. Almodóvar es partidista en su manera de analizar el mundo que le rodea y crea personajes POSITIVOS O NEGATIVOS según la condición sexual de ellos, y cuando habla de la mujer lo hace desde la óptica de un hombre (homosexual) que las ama por encima de todas las cosas y por tanto las mitifica de manera exagerada dándole a cada una de ellas valores exagerados.

Pues bien, me atrevería a decir que "en la flor de mi secreto" los personajes femeninos son eso; mujeres de verdad, con sus más y sus menos, para nada mitificadas y muy apegadas a su mundo, sin condicionamientos externos (ni la sumisión del patriarcado), ni por supuesto la MITIFICACIÓN que en la mayoría del mundo gay se hace de la mujer. En "la flor de mi secretos" las mujeres se exponen sencillas y complejas, frías y cálidas, hay valores positivos y valores negativos sin que ninguno de ellos se sobreponga al otro, en una palabra; hay realidad. YO SI conozco a mujeres así.

De nuevo puedo probar mi teoría; Hay dos papeles masculinos importantes en el film. Pues bien, el interpretado por Imanol Arias, no es que quede muy mal, pero podemos ver en él "un cierto aire de desprecio y actitud de macho" hacia la mujer amada. El único personaje masculino positivo de la función, (interpretado por Juan Echanove) aún siendo heterosexual (o eso se supone, pues se enamora de la protagonista), está representado como un hombre "típicamente gay" y lo pongo entre comillas porque afortunadamente no existe eso que se llama "típicamente gay", pero el personaje al que me refiero actúa como el típico homosexual del cine de Almodóvar y/o el típico homosexual de las comedias románticas rollo "la boda de mi mejor amigo", de hecho hasta su actuación está llena de tics afeminados. De nuevo el mismo problema; Almodóvar no es capaz de presentar un hombre heterosexual que sea amable, sincero, honesto y sensible, a menos que esté "tapado" en las actitudes de un hombre "típicamente gay".

-La inmensa mayoría de los actores están tremendos en sus respectivos papeles. Marisa Paredes realiza una composición soberbia que junto a Uma Rojo de "todo sobre mi madre", son sus mejores interpretaciones cinematográficas. Destacar también la excelente y divertida labor de Chus Lampreave y Rossy de Palma que interpretan a una madre e hija mortalmente divertidas, envueltas en unas peleas que ya son antológicas en la historia del cine español. Las escenas más divertida que Almodóvar ha filmado jamás se encuentran en estas conversaciones.

Luego están las geniales Carmen Elias y Kiti Manver, cuyos papeles, aunque escuetos, son vitales y están excelentemente interpretados. Imanol Arias y Juan Echanove también se salen en sus respectivos roles y transmiten muy bien dos ideas completamente opuestas; el odio y el amor. Chirrían un poco las interpretaciones de Joaquín Cortés y Manuela Vargas (bailaores profesionales) y tampoco sabemos muy bien que aportan a la película sus personajes.

- La puesta en escena es exquisita. Me atrevería a decir que es ésta la primera película de Almodóvar donde la cámara, además de ser invisible por fin, consigue una enorme depuración formal a la hora de retratar los espacios y los rostros. Recuerdo ahora secuencias de "mujeres al borde de un ataque de nervios", donde la cámara tenía demasiada presencia y muchos planos eran forzados e incoherentes, simplementes realizados por el mero goce artístico y técnico, pero aquí no. Aquí hay una enorme seguridad en lo que se está contando y en los planos utilizados para ello.

Es quizás por eso que el film muestra a veces un "rasgo" teatral y pausado, porque ya lo que importa es lo que se cuenta, y hacerlo de la manera más sencilla posible. Por supuesto que, como en todas las películas del manchego, hay planos hermosos y para el recuerdo (los espejos, los tonos rojos....), pero están realizados con una finalidad dramática.... los espejos, por ejemplo, es la sensación que tiene la protagonista principal; ella es un reflejo de lo que fue, ella se muestra "reflejada" en una realidad que ahora sólo es espejismo, ella se encuentra "rota" y "ocultada" por un espejo que se muestra a cámara de la misma manera. Definitivamente en este filme Almodóvar subió de categoría como realizador cinematográfico con estilo.

- Los demás elementos dramáticos y de puesta en escena llenan la película de un trabajo bien realizado y de buen gusto; desde la preciosa fotografía de Affonso Beato, la música del genial Alberto Iglesias y la dirección de arte, todo funciona en su conjunto y aporta a la historia una coherencia externa e interna que funciona a las mil maravillas.

Los espacios que salen en el film se corresponden únicamente con los espacios que frecuenta cada personaje según sea su clase social, forma de entender el mundo y/o entorno, y esto se agradece mucho ya que, desde mi punto de vista, Almodóvar en algunos de sus filmes "ambienta y decora" todos los espacios de igual manera independientemente de como sean los personajes y esto me parece un error garrafal que resta credibilidad a la obra en cuestión. Por ejemplo; la decoración del piso que La Agrado tiene en EL BARRIO DEL RAVAL de Barcelona en TODO SOBRE MI MADRE es idéntico a la decoración del piso que MANUELA tiene en Madrid. Esto No es creíble, sobre todo para los que conocemos el barrio de EL RAVAL y la vida que llevan sus prostitutas.

En definitiva considero LA FLOR DE MI SECRETO como un filme exquisito, bien narrado y hecho, que aporta un punto diferente y original en la filmografía de Almodóvar, y es que la mejor manera de llamar la atención es precisamente no llamando la atención, y desde mi punto de vista ésto es lo que consigue Almodóvar en esta formidable obra que, a pesar de ser ignorada por la gran mayoría de sus fans, está considerada en muchos países como una obra de culto, no ya de Almodóvar, sino de toda la cinematografía española de lo últimos años.

Como siempre digo, no estamos ante una película perfecta y entre sus defectos encuentro que el INCIDENTE INDUCTOR (o lo que pone en funcionamiento la trama), ocurre demasiado tarde (casi a mitad del filme), y por tanto el equilibrio dramático de la acción está un poco descompensado, de igual modo el final se precipita y se cierra de manera algo extraña. ¿Cuánto tiempo ha pasado para que la protagonista de la historia haya pegado un cambio en su actitud y ahora se muestre animada? ¿Qué ocurre con el personaje de Juan Echanove y qué aporta a  la vida de nuestra protagonista? Preguntas que están "de aquella maneras" contestadas debido a un final, desde mi punto de vista, no redondo y que no contestan a las preguntas hechas en el incidente inductor y/o en la trama principal de la película.

A pesar de esto (siempre he dicho y diré que Almodóvar es mejor director que guionista), LA FLOR DE MI SECRETO, a día de hoy, sigue siendo para mi una de mis películas imprescindibles pues me siento identificado con aquello que cuenta y es que... ¿Quién de nosotros se atrevería a negar que jamás dijo o pensó "¿existe alguna posibilidad por pequeña que sea de salvar lo nuestro?" a la persona amada?

MI NOTA: 9

LO MEJOR: El personaje de Marisa Paredes. Su claridad narravita.

LO PEOR: El final. Cierta descompensación entre los actos dramáticos.

SE PUEDE ENCONTRAR EN: CAMEO FILMS, editada en dvd y blu ray a  partir de 6,95 Euros.

"Como plaga de langosta" de John Schlesinger

La verdad es que estoy acostumbrado a ver todo tipo de cine y es muy extraño que cualquier propuesta fílmica me resulte curiosa y novedosa, o eso pensaba yo... Hasta esta noche.

Había visto el poster de este filme cientos de veces; hace años en las tiendas de dvds, en algunos libros de cine, por internet... y siempre me había llamado poderosamente la atención; en él hay dibujados unos focos de luces (al estilo Hollywood) que salen de un cartel, arriba del cartel, una chica rubia... y abajo una muchedumbre que parece presa del pánico mientras arrastran a un hombre que grita desesperadamente.

Hace unas semanas fui a dar de nuevo con esta imagen y me dije; "ya es hora de ver esta película". Comencé a buscarla por la Fnac y sitios similares, pero desgraciadamente me decían que ya estaba descatalogada. ¡Qué no cunda el pánico! ¡Tenemos Amazon! Efectivamente allí encontré este filme y lo pedí a un módico precio (como viene siendo habitual en esta béndita web).

Durante días he estado mirando la caratula, evitando leer nada sobre el argumento e imaginando de qué "carajo" podría tratar la película.... Y esta noche por fin lo he averiguado.

El fim está dirigido por John Schlesinger ("Cowboy de medianoche", "Marathon man"), escrito por Waldo Salt (Basado en la novela de Nathanael West), y protagonizada por Donald Sutherland, mi "querida" Karen Black, Burgess Meredith (nominado al Oscar a mejor actor secundario por este trabajo en el año 1975) y William Atherton.

Hollywood. Finales de los años 30. Un joven pintor llega a la ciudad de Los Ángeles con la esperanza de trabajar en el departamento artístico de algún estudio de cine. En su urbanización conoce a una joven cuyo deseo es ser una gran actriz y cuyo padre, ya muy mayor, se dedica a vender puerta por puerta, productos de limpieza. El joven y la chica comienzan una relación amorosa, pero ésta conoce a otro hombre, llamado Homer Simpson, de carácter extraño. La chica no desea profundizar en ninguna relación; ella quiere ser famosa a toda costa y guarda sus "armas de mujer" para algún pez gordo que la pueda "colocar" como actriz de reparto en algún film.

Explicado así el argumento parece que estamos (de nuevo) ante otro de esos dramas "made in Hollywood" donde un grupo de personas intenta lograr sus sueños en la Meca del cine.... Pues bien, si, el argumento es ese... pero la película va por otros derroteros.

Se me hace muy complicado explicar la extraña sensación que rodea a esta película ya que visualmente es muy poderosa (enorme trabajo en diseño de producción y la gran fotografía de Conrad Hall), pero yace en ella algo que no he visto en ningún otro filme, jamás.

Los personajes (todos) están al límite de la locura y actúan de manera extraña. Bajo cada uno de ellos, (en cada historia, y cada momento de la acción), se nota una extraña tensión que amenaza con hacer explotar la película en mil pedazos. Aparentemente las secuencias se van sucediendo como pequeños cuadros temáticos o de situación, sin hilo narrativo concreto.... Es una película visualmente hermosa pero desagradablemente sensitiva.

La historia y los personajes se van desarrollando hasta que en los últimos veinte minutos la cosa explota (o muchos dirán que se sale de madre), y asistimos (quizás) al final más brutal de toda la historia del cine. Es como si de pronto toda la locura que el film ha ido guardando en dos horas de metraje por fin se expone sin tapujos, y es entonces que asistimos a veinte minutos de una brutalidad inmensa, de una visualidad poderosa y afixiante, cuyas imágenes y sonidos son casi insoportables.

La película termina y nos deja clavados en el sillón. Apenas podemos artícular palabra porque no sabemos exactamente que hemos visto, ni a que hemos asistido durante 138 minutos.

Y no, no es que la película nos deje fríos porque esté realizada de forma torpe o poco cuidada (la película tiene una puesta en escena soberbia, nada falla en ella...), nos deja "extraños" porque me atrevería a decir, sin temor a equivocarme, que "como plaga de langosta" es una experiencia única, primero como película y segundo como raíz de un pensamiento que ahora no deja de acusar mi mente; ¿Estamos todos locos?

No sé si la película me ha gustado o no. Tengo sensaciones contradictorias que supongo aclararé en un segundo visionado. ¿Merece la pena? Por supuesto. Eso si, lo advierto... no es una película para todo el mundo. Incomóda y puede herir sensibilidades. Te hace pensar... y nada bueno.

MI NOTA: No lo sé.

LO MEJOR: Los últimos veinte minutos.

LO PEOR: Los últimos veinte minutos.

SE PUEDE ENCONTRAR: Amazon. Edición Italia con subtítulos e idioma en castellano. Paramount dvd. A partir de 4,95 Euros.