Cine español; "La flor de mi secreto" de Pedro Almodóvar

No puedo (ni quiero) esconder mi admiración por este film de Almodóvar que considero, de lejos, una de sus mejores obras. La verdad es que la filmografía del manchego está dividida (o muchos la dividen así) entre obras mayores y "obras menores", pues bien; si "obras menores" son "La flor de mi secreto", "carne trémula" o"La mala educación", que venga Dios y lo vea!!! A mi me parecen no sólamente excelentes películas, si no muestras palpables y demostrables de que Almodovár, cuando se lo propone, es un excelente narrador de historias y que se puede "salir del tiesto" con resultados más que curiosos, originales y, por qué no decirlo, brillantes.

"La flor de mi secreto" es un film que se cataloga como "obra menor" del manchego, de hecho es denostada por muchos fans del director, que la consideran muy alejada de su tono y aburrida ya que, "excepto en los momentos de humor" (marca de la casa más que reconocible...), según estos "críticos" "no se encuentra la escencia pura del cine de este autor"... Y ahora digo yo, ¿qué es esencia?, es más, ¿Por qué nadie puede tener no sólo una esencia, sino varias...? O  mejor aún, ¿Por qué definir el cine de un autor por lo que esperamos de él en base a unas obras ya pasadas que han tenido éxito y han marcado una senda reconocible?

Bien, para gustos los colores. En esto del cine nadie (o casi nadie) tiene la verdad, pero eso no debe impedir que cada cual explique y/o relate  las excelencias de una obra según su punto de vista, así que vamos a ello.

¿Por qué considero que LA FLOR DE MI SECRETO es una de las mejores películas de Almodóvar?

- En primer lugar la historia se desarrolla en una línea de acción dramática clara y concisa. Hay una protagonista que tiene un conflicto definido y claro, y alrededor de este personaje viven y actúan otros personajes secundarios que llenan la historia de intrigas secundarias que enfatizan la trama principal de una manera cohesionada. Hablando en plata; no tengo la sensación (como en otros filmes del manchego), de que la historia, y con ella sus personajes, se pierden por los "cerros de Úbeda". Tuve la anterior sensación en "Hable con ella" (desde mi punto de vista hay muchos personajes que no aportan nada a la historia y la acción empieza a los 50 minutos), de igual modo aunque TODO SOBRE MI MADRE me parece su mejor filme, cada vez que la veo tengo la sensación de que los personajes están metidos en el filme de forma caótica y desordenada y que muchos tienen los mismos conflictos y por ello se hubiesen podido fundir en un solo personaje o bien dejar para otra historia. Esta sensación hace acto de ausencia en LA FLOR DE MI SECRETO. En realidad es una película clásica en cuanto a estructura, pero como siempre digo "en lo sencillo está lo complicado".

- Desde mi punto de vista (y al igual que ocurre en la estupenda "¿qué he hecho yo para merecer esto?"), los personajes femeninos del filme no están GAY-MITIFICADOS. ¿Qué quiero decir con lo anterior? Pues que tengo la sensación de que en algunas de las películas de Almodóvar los papeles femeninos no son "verdaderos", sino que se corresponden con la visión de un gay que mitifica todo aquello que es femenino, dejando por lo tanto fuera de esta visión, una parte real e importante de cómo son las mujeres en realidad. Esto viene bien en algunas películas,  pero en otras no ayuda a crear a mujeres reales, sino a caricaturas.

Me explico; no estoy diciendo que Almodóvar, como homosexual, no sepa escribir papeles de mujeres, simplemente estoy diciendo que deja que su condición sexual afecte de lleno a la realidad de la mujer.

Por ejemplo, Visconti también era homosexual, pero las mujeres de su cine son reales. Cassavetes no era homosexual pero las mujeres de su cine son reales. Incluso Woody Allen es más certero cuando presenta a una mujer en su cine. En el cine de Almodóvar, muchos de sus personajes femeninos, están llenos de matices y "momentos" que sinceramente (y conozco y he observado a muchas mujeres a lo largo de mi vida) jamás he visto en ninguna de ellas.

De hecho, mi teoría se prueba al analizar los personajes masculinos que crea Almodóvar; en todas sus películas los hombres (heterosexuales) son Borrachos, o maltratadores, o violadores, o infieles o acusan graves problemas de comunicación... y cuando son "buena gente", son homosexuales y/o afeminados.

Esto es psicología pura. Almodóvar es partidista en su manera de analizar el mundo que le rodea y crea personajes POSITIVOS O NEGATIVOS según la condición sexual de ellos, y cuando habla de la mujer lo hace desde la óptica de un hombre (homosexual) que las ama por encima de todas las cosas y por tanto las mitifica de manera exagerada dándole a cada una de ellas valores exagerados.

Pues bien, me atrevería a decir que "en la flor de mi secreto" los personajes femeninos son eso; mujeres de verdad, con sus más y sus menos, para nada mitificadas y muy apegadas a su mundo, sin condicionamientos externos (ni la sumisión del patriarcado), ni por supuesto la MITIFICACIÓN que en la mayoría del mundo gay se hace de la mujer. En "la flor de mi secretos" las mujeres se exponen sencillas y complejas, frías y cálidas, hay valores positivos y valores negativos sin que ninguno de ellos se sobreponga al otro, en una palabra; hay realidad. YO SI conozco a mujeres así.

De nuevo puedo probar mi teoría; Hay dos papeles masculinos importantes en el film. Pues bien, el interpretado por Imanol Arias, no es que quede muy mal, pero podemos ver en él "un cierto aire de desprecio y actitud de macho" hacia la mujer amada. El único personaje masculino positivo de la función, (interpretado por Juan Echanove) aún siendo heterosexual (o eso se supone, pues se enamora de la protagonista), está representado como un hombre "típicamente gay" y lo pongo entre comillas porque afortunadamente no existe eso que se llama "típicamente gay", pero el personaje al que me refiero actúa como el típico homosexual del cine de Almodóvar y/o el típico homosexual de las comedias románticas rollo "la boda de mi mejor amigo", de hecho hasta su actuación está llena de tics afeminados. De nuevo el mismo problema; Almodóvar no es capaz de presentar un hombre heterosexual que sea amable, sincero, honesto y sensible, a menos que esté "tapado" en las actitudes de un hombre "típicamente gay".

-La inmensa mayoría de los actores están tremendos en sus respectivos papeles. Marisa Paredes realiza una composición soberbia que junto a Uma Rojo de "todo sobre mi madre", son sus mejores interpretaciones cinematográficas. Destacar también la excelente y divertida labor de Chus Lampreave y Rossy de Palma que interpretan a una madre e hija mortalmente divertidas, envueltas en unas peleas que ya son antológicas en la historia del cine español. Las escenas más divertida que Almodóvar ha filmado jamás se encuentran en estas conversaciones.

Luego están las geniales Carmen Elias y Kiti Manver, cuyos papeles, aunque escuetos, son vitales y están excelentemente interpretados. Imanol Arias y Juan Echanove también se salen en sus respectivos roles y transmiten muy bien dos ideas completamente opuestas; el odio y el amor. Chirrían un poco las interpretaciones de Joaquín Cortés y Manuela Vargas (bailaores profesionales) y tampoco sabemos muy bien que aportan a la película sus personajes.

- La puesta en escena es exquisita. Me atrevería a decir que es ésta la primera película de Almodóvar donde la cámara, además de ser invisible por fin, consigue una enorme depuración formal a la hora de retratar los espacios y los rostros. Recuerdo ahora secuencias de "mujeres al borde de un ataque de nervios", donde la cámara tenía demasiada presencia y muchos planos eran forzados e incoherentes, simplementes realizados por el mero goce artístico y técnico, pero aquí no. Aquí hay una enorme seguridad en lo que se está contando y en los planos utilizados para ello.

Es quizás por eso que el film muestra a veces un "rasgo" teatral y pausado, porque ya lo que importa es lo que se cuenta, y hacerlo de la manera más sencilla posible. Por supuesto que, como en todas las películas del manchego, hay planos hermosos y para el recuerdo (los espejos, los tonos rojos....), pero están realizados con una finalidad dramática.... los espejos, por ejemplo, es la sensación que tiene la protagonista principal; ella es un reflejo de lo que fue, ella se muestra "reflejada" en una realidad que ahora sólo es espejismo, ella se encuentra "rota" y "ocultada" por un espejo que se muestra a cámara de la misma manera. Definitivamente en este filme Almodóvar subió de categoría como realizador cinematográfico con estilo.

- Los demás elementos dramáticos y de puesta en escena llenan la película de un trabajo bien realizado y de buen gusto; desde la preciosa fotografía de Affonso Beato, la música del genial Alberto Iglesias y la dirección de arte, todo funciona en su conjunto y aporta a la historia una coherencia externa e interna que funciona a las mil maravillas.

Los espacios que salen en el film se corresponden únicamente con los espacios que frecuenta cada personaje según sea su clase social, forma de entender el mundo y/o entorno, y esto se agradece mucho ya que, desde mi punto de vista, Almodóvar en algunos de sus filmes "ambienta y decora" todos los espacios de igual manera independientemente de como sean los personajes y esto me parece un error garrafal que resta credibilidad a la obra en cuestión. Por ejemplo; la decoración del piso que La Agrado tiene en EL BARRIO DEL RAVAL de Barcelona en TODO SOBRE MI MADRE es idéntico a la decoración del piso que MANUELA tiene en Madrid. Esto No es creíble, sobre todo para los que conocemos el barrio de EL RAVAL y la vida que llevan sus prostitutas.

En definitiva considero LA FLOR DE MI SECRETO como un filme exquisito, bien narrado y hecho, que aporta un punto diferente y original en la filmografía de Almodóvar, y es que la mejor manera de llamar la atención es precisamente no llamando la atención, y desde mi punto de vista ésto es lo que consigue Almodóvar en esta formidable obra que, a pesar de ser ignorada por la gran mayoría de sus fans, está considerada en muchos países como una obra de culto, no ya de Almodóvar, sino de toda la cinematografía española de lo últimos años.

Como siempre digo, no estamos ante una película perfecta y entre sus defectos encuentro que el INCIDENTE INDUCTOR (o lo que pone en funcionamiento la trama), ocurre demasiado tarde (casi a mitad del filme), y por tanto el equilibrio dramático de la acción está un poco descompensado, de igual modo el final se precipita y se cierra de manera algo extraña. ¿Cuánto tiempo ha pasado para que la protagonista de la historia haya pegado un cambio en su actitud y ahora se muestre animada? ¿Qué ocurre con el personaje de Juan Echanove y qué aporta a  la vida de nuestra protagonista? Preguntas que están "de aquella maneras" contestadas debido a un final, desde mi punto de vista, no redondo y que no contestan a las preguntas hechas en el incidente inductor y/o en la trama principal de la película.

A pesar de esto (siempre he dicho y diré que Almodóvar es mejor director que guionista), LA FLOR DE MI SECRETO, a día de hoy, sigue siendo para mi una de mis películas imprescindibles pues me siento identificado con aquello que cuenta y es que... ¿Quién de nosotros se atrevería a negar que jamás dijo o pensó "¿existe alguna posibilidad por pequeña que sea de salvar lo nuestro?" a la persona amada?

MI NOTA: 9

LO MEJOR: El personaje de Marisa Paredes. Su claridad narravita.

LO PEOR: El final. Cierta descompensación entre los actos dramáticos.

SE PUEDE ENCONTRAR EN: CAMEO FILMS, editada en dvd y blu ray a  partir de 6,95 Euros.

"Como plaga de langosta" de John Schlesinger

La verdad es que estoy acostumbrado a ver todo tipo de cine y es muy extraño que cualquier propuesta fílmica me resulte curiosa y novedosa, o eso pensaba yo... Hasta esta noche.

Había visto el poster de este filme cientos de veces; hace años en las tiendas de dvds, en algunos libros de cine, por internet... y siempre me había llamado poderosamente la atención; en él hay dibujados unos focos de luces (al estilo Hollywood) que salen de un cartel, arriba del cartel, una chica rubia... y abajo una muchedumbre que parece presa del pánico mientras arrastran a un hombre que grita desesperadamente.

Hace unas semanas fui a dar de nuevo con esta imagen y me dije; "ya es hora de ver esta película". Comencé a buscarla por la Fnac y sitios similares, pero desgraciadamente me decían que ya estaba descatalogada. ¡Qué no cunda el pánico! ¡Tenemos Amazon! Efectivamente allí encontré este filme y lo pedí a un módico precio (como viene siendo habitual en esta béndita web).

Durante días he estado mirando la caratula, evitando leer nada sobre el argumento e imaginando de qué "carajo" podría tratar la película.... Y esta noche por fin lo he averiguado.

El fim está dirigido por John Schlesinger ("Cowboy de medianoche", "Marathon man"), escrito por Waldo Salt (Basado en la novela de Nathanael West), y protagonizada por Donald Sutherland, mi "querida" Karen Black, Burgess Meredith (nominado al Oscar a mejor actor secundario por este trabajo en el año 1975) y William Atherton.

Hollywood. Finales de los años 30. Un joven pintor llega a la ciudad de Los Ángeles con la esperanza de trabajar en el departamento artístico de algún estudio de cine. En su urbanización conoce a una joven cuyo deseo es ser una gran actriz y cuyo padre, ya muy mayor, se dedica a vender puerta por puerta, productos de limpieza. El joven y la chica comienzan una relación amorosa, pero ésta conoce a otro hombre, llamado Homer Simpson, de carácter extraño. La chica no desea profundizar en ninguna relación; ella quiere ser famosa a toda costa y guarda sus "armas de mujer" para algún pez gordo que la pueda "colocar" como actriz de reparto en algún film.

Explicado así el argumento parece que estamos (de nuevo) ante otro de esos dramas "made in Hollywood" donde un grupo de personas intenta lograr sus sueños en la Meca del cine.... Pues bien, si, el argumento es ese... pero la película va por otros derroteros.

Se me hace muy complicado explicar la extraña sensación que rodea a esta película ya que visualmente es muy poderosa (enorme trabajo en diseño de producción y la gran fotografía de Conrad Hall), pero yace en ella algo que no he visto en ningún otro filme, jamás.

Los personajes (todos) están al límite de la locura y actúan de manera extraña. Bajo cada uno de ellos, (en cada historia, y cada momento de la acción), se nota una extraña tensión que amenaza con hacer explotar la película en mil pedazos. Aparentemente las secuencias se van sucediendo como pequeños cuadros temáticos o de situación, sin hilo narrativo concreto.... Es una película visualmente hermosa pero desagradablemente sensitiva.

La historia y los personajes se van desarrollando hasta que en los últimos veinte minutos la cosa explota (o muchos dirán que se sale de madre), y asistimos (quizás) al final más brutal de toda la historia del cine. Es como si de pronto toda la locura que el film ha ido guardando en dos horas de metraje por fin se expone sin tapujos, y es entonces que asistimos a veinte minutos de una brutalidad inmensa, de una visualidad poderosa y afixiante, cuyas imágenes y sonidos son casi insoportables.

La película termina y nos deja clavados en el sillón. Apenas podemos artícular palabra porque no sabemos exactamente que hemos visto, ni a que hemos asistido durante 138 minutos.

Y no, no es que la película nos deje fríos porque esté realizada de forma torpe o poco cuidada (la película tiene una puesta en escena soberbia, nada falla en ella...), nos deja "extraños" porque me atrevería a decir, sin temor a equivocarme, que "como plaga de langosta" es una experiencia única, primero como película y segundo como raíz de un pensamiento que ahora no deja de acusar mi mente; ¿Estamos todos locos?

No sé si la película me ha gustado o no. Tengo sensaciones contradictorias que supongo aclararé en un segundo visionado. ¿Merece la pena? Por supuesto. Eso si, lo advierto... no es una película para todo el mundo. Incomóda y puede herir sensibilidades. Te hace pensar... y nada bueno.

MI NOTA: No lo sé.

LO MEJOR: Los últimos veinte minutos.

LO PEOR: Los últimos veinte minutos.

SE PUEDE ENCONTRAR: Amazon. Edición Italia con subtítulos e idioma en castellano. Paramount dvd. A partir de 4,95 Euros.

Películas de culto; "Psicosis II" de Richard Franklin

Sí, lo sé. Muchos puristas del cine en general (y fanáticos de Hitchcock en particular) no entenderán muy bien porque PSICOSIS II tiene un lugar en mi blog y sobre todo una defensa que me tomo la molestia en escribir, pero así son las cosas del cine, en cuestión de gustos no hay nada escrito, y sorprenda o no, PSICOSIS II es buena película.

Dirigida en el año 1983 (casi 23 años después de la primera parte) por Richard Franklin y escrita por todo un especialista del género, Tom Holland ("Muñeco diabólico", "Noche de miedo"), PSICOSIS II da lo que promete... y mucho más.

¿Qué es "ese" mucho más? Pues básicamente el film ofrece una mayor profundidad en el personaje de Norman Bates, al que no sólo humaniza, si no que lo ex-culpa de todo crimen cometido en el pasado, pues aquí los verdugos son otros; la sociedad, la mentira... y la hermana de Marion Crane (y su hija) que vuelven para atormentar a Norman Bates y hacerle confesar el crimen que cometió.

Por si esto fuera poco (que no lo es) la película mantiene el suspense de una manera eficaz durante todo el metraje, y el guión saber darle otra vuelta de tuerca a la historia original. De hecho me atrevería a decir que PSICOSIS II es la pionera en eso que Wes Craven puso de moda en su saga SCREAM; rizar el rizo con los finales y hacer de lo imposible y/o rebuscado algo original o por lo menos curioso. (Desgraciadamente no puedo anticipar nada si aún no habéis visto PSICOSIS II, pero entenderéis perfectamente lo que quiero decir al final del film).

Pero aún hay más; la película contiene un excelente diseño de producción (Podemos ver la casa de Norman Bates por dentro), una puesta en escena más que arriesgada y curiosa en algunos momentos (ese plano fantástico donde la cámara sale por una ventana, baja por la casa en completo picado y toma otra acción que se está desarrollando en una esquina....), y una maravillosa música (sobre todo el tema principal) del genio Jerry Goldsmith, que en vez de imitar la música de la cinta original (lo que hubiese sido un recurso fácil) ofrece nuevas melodías siendo la más importante para la trama un delicado tema romántico que evoca un perfil de Norman Bates poco explotado en la primera parte; el de ser humano que siente, no miedo ni locura, si no amor, quizás por primera vez en su vida.

Por si fuera poco la dirección de fotografía corre a cargo de Dean Cundey ("Parque Jurásico", "La cosa", "La niebla") cuyo trabajo realza el enorme trabajo de diseño de producción y aleja el film de una oscuridad que se presupone en este tipo de género.

Está claro que PSICOSIS II no es una obra maestra (tampoco pretendía serlo, ni falta que hace), y también está claro que puede no resistir las comparaciones con la obra magna de Hitchcock, pero también es justo indicar y señalar que PSICOSIS II supera con creces a cualquier película de terror que se rueda actualmente y me atrevería a decir que su acabado, lejos de ser perfecto, encierra el mejor aroma de los productos artesanales de la mejor época de Hollywood.

La película costó 5 millones de dólares y recaudó 30 millones, lo que sin lugar a dudas significó un enorme éxito para UNIVERSAL PICTURES que contenta con los beneficios rodó dos secuelas más en años posteriores, todas ellas muy cutres y horrendas.

Concluyendo; PSICOSIS II no es una obra maestra pero es divertida, está muy bien hecha, y trata con enorme respeto la herencia temática y formal de la primera parte. De igual modo os confesaré aquí (ahora que nadie me lee....) que PSICOSIS, de Hithcock, siempre me ha parecido que tiene dos o tres secuencias más que prescindibles, aburridas y reiterativas, quizás que se toman muy en serio así mismas.... a PSICOSIS II no le veo ese problema; es un divertimento artesanal que, al no tener pretensiones de ningún tipo, acierta de lleno.

MI NOTA: 7

LO MEJOR: Que reinventa (sin complejos, con respeto, utilizando la mayor profesionalidad del mundo) una magnífica atmósfera cinematográfica más que reconocible por todos los aficionados al cine.

LO PEOR: Que la gente la compare con la primera parte y que por eso no se deje llevar al maravilloso viaje que propone la secuela.

SE PUEDE ENCONTRAR; Editada en DVD hace algunos años pero ya descatalogada. En AMAZON se puede encontrar por 4,95 euros en EDICIÓN DE FRANCIA Y ALEMANIA. Con Idioma y subtítulos en castellano. El DVD tiene un enorme fallo; el film está editado en 4:3 cuando el formato original es 1:85.

Hacer una película según Irving Thalberg. (Basado en hechos reales)

Cuenta la leyenda que Irving Thalberg (productor de la Metro en sus comienzos), estaba buscando un buen guionista para una película que se iba a rodar a finales de año y decidió probar suerte entre los escritores de teatro de Broadway.

El elegido fue un dramaturgo al que la prensa llamaba "la gran esperanza del teatro norteamericano", pues sus obras eran alabadas por crítica y público.

Al llegar a Hollywood, el joven dramaturgo fue llamado al despacho de Thalberg, y allí, detrás de una mesa imponente, éste expuso sus intenciones sobre el guión que debía ser escrito.

Thalberg habló durante media hora y el joven dramaturgo asentía mientras se mostraba altivo intentando hacerle comprender a Thalberg que él no necesitaba lecciones sobre escritura, pues su fama precisamente le venía de aquel campo.

Thalberg y el joven se despidieron sellando el contrato y la promesa de que tras dos meses de escritura, un guión debía ser presentado para su posterior realización.

Pasado un mes, Thalberg quiso saber como iba el trabajo pero el joven dramaturgo no respondió a sus llamadas. Pasadas otras dos semanas, Thalberg quiso saber si podía leer algo que ya estuviese escrito, pero de nuevo nadie respondió.

Cuando se cumplió el día de la entrega del guión, Thalberg esperó al joven dramaturgo en su despacho hasta la hora de comer, pero éste no se presentó. Después del postre, Thalberg ordenó ir en busca del joven dramaturgo y traerlo a su despacho.

Estaba a punto de ponerse el sol cuando el joven dramaturgo, (acompañado por una escolta) entró en el despacho y se sentó frente a Thalberg.

- ¿Y bien? - Dijo Thalberg.

Tras un instante de silencio, el joven dramaturgo comenzó a llorar y con la cara desencajada empezó a decir:

- ¡Lo siento! ¡No he escrito nada! ¡No soy capaz! ¡No sé que es el cine! ¡No sé como se escribe cine!

Su llanto se hizo más y más fuerte y al cabo de unos segundos su rostro no era diferente del de un pequeño crío que se pierde en un mercado al separarse de la mano de su madre y muestra en su llanto y en su cara todo el terror del mundo.

Thalberg comenzó a caminar y recorrió la habitación hasta que llegó a la puerta de salida. Abrió la puerta y salió. Al cabo de unos instantes entró de nuevo en la habitación. Miro alrededor y empezó a actuar como si de un actor profesional se tratase.

"Entro en una habitación. En mi mano llevo un bolso. Camino hasta pararme frente a una pequeña mesa. Abro el bolso. De él saco dos monedas de un dólar y un par de guantes negros. Pongo todo esto sobre la mesa.  En la mesa hay un teléfono. Vuelvo a tocar las dos monedas de un dólar y el par de guantes negros. Voy a la chimenea. Enciendo un fuego. Vuelvo a la mesa y tomo los guantes. Vuelvo a la chimenea y arrojo los guantes al fuego. Vuelvo a la pequeña mesita y de pronto suena el teléfono. Descuelgo y espero para oír quien llama. "¿La policía? Si, soy yo... ¿Unos guantes? No, señor... yo jamás he tenido unos guantes negros.... Muy bien, aquí les espero". Cuelgo rápidamente el teléfono y corro hasta la chimenea. Una vez allí suspiro fuertemente de alivio pues los guantes han desaparecido... Son cenizas. Vuelvo a la pequeña mesita y me siento frente a ella. Tomo las dos monedas de un dólar y empiezo a jugar con ellas mientras espero que llamen a mi puerta".

Durante toda la escena que improvisó Thalberg, tanto el joven escritor como la escolta, no pararon de observar los gestos de Thalberg con gran interés, incluso uno de ellos se mordió en dos ocasiones las uñas.

Thalberg se quedó en silencio mirando al escritor mientras jugaba con las dos monedas de un dólar entre los dedos. El silencio se extendió hasta bien entrados los dos minutos.... Al final el joven dramaturgo decidió hablar. En su voz había una extraña ansiedad, el nerviosismo que demuestran los niños que fascinados esperan el final de un cuento.

- ¿Y bien? ¿Eso es todo? ¿Qué pasa con las dos monedas de un dólar? ¿Y con la policía? ¿Y con las cenizas?

Y Thalberg contestó;

- No tengo ni idea. Sólo estaba haciendo una película.

En menos de un segundo el joven dramaturgo entendió que escribir y hacer una película era eso... Volver a cuando uno es pequeño y espera la noche, simplemente porque esa es la hora del día donde las más hermosas y tristes historias son reveladas.

Joyas a descubrir; "No amarás" de Krzystof Kieslowski

Kieslowski es uno de mis directores favoritos. Sorprende y mucho que yo, un fiel defensor del cine comercial, (bien hecho, por supuesto) y del cine clásico de Hollywood prefiera a este director antes que, por poner un ejemplo a Hitchcock o Hawks.

Pero resulta que Kieslowski me ha enseñado más de la vida que estos directores que he citado en el párrafo anterior, y para colmo no sólo me ha enseñado de la vida, si no que Kieslowski también me enseñó a percibir otra realidad, aquella que se esconde detrás de la vida cotidiana, de cualquier hecho o situación... Una realidad no palpable pero si sensitiva que conecta unas cosas con otras; historias, personas, momentos.... En pocas palabras, Kieslowski me habló de lo que ningún otro director me ha hablado jamás; de una "metafísica" mágica que mueve los hilos de nuestra existencia y la llena de momentos alegres y momentos tristes de manera alternativa, dando como resultado una serie de conocimientos o experiencias que nos hacen crecer y entender nuestra misión en el mundo.

Se conoce a este autor sobre todo por sus filmes de producción francesa, ("La doble vida de Verónica", "Azul", "Blanco" y "Rojo"), pero no hay que olvidar que este polaco afincado en Francia ya había realizado en su país al menos media docena de obras maestras y "No amarás" es indiscutiblemente una de ellas.

"No amarás" es la versión extendida de uno de los mediometrajes que formaba la serie "Decálogo", realizada para la televisión polaca a finales de los años 80 y que tenía los diez mandamientos como nexo en común. Ayudado por Krzystof Piesiewicz, su guionista habitual (y un genio inmenso), Kiesloswki crea diez historias hermosas, duras y certeras sobre la condición humana, siempre referida a un tema en concreto en cada uno de los episodios.

"No amarás" trata del amor y es por eso que la trama relata la historia de Tomek, un joven de 19 años, trabajador de correos, que está obsesionado con Magda, una vecina a la que espía desde hace un año. La vecina es una mujer madura y Tomek está dispuesto a declararle su amor incondicional.

El film dura 81 minutos pero es impresionante comprobar que en ese tiempo el director habla de muchos temas y recorre una serie de sensaciones (a través del protagonista principal) que van de la alegría intensa a la tristeza más absoluta, en un perfecto trabajo de depuración dramática donde lo esencial se queda y lo que no interesa se desecha de las escenas, creando con ello un guión que funciona a las mil maravillas debido a la causa-reacción. Cada pequeña unidad dramática, cada mínimo acontecimiento sirve para exponer un reflexión profunda y madura sobre el amor y los mecanismos de este.

Sorprende también que la puesta en escena (aunque muy humilde) no sea pobre, y que las carencias materiales se suplen con una sabia dramaturgia de la imagen y de la puesta en escena. En Kieslowski una imagen vale más que mil palabras y por tanto eso es lo que nos ofrece el director; imágenes con contenido, llenas de drama y acción.... De hecho la película bien podría haber sido muda puesto que los diálogos apenan ocupan un 40% del tiempo total de metraje.

Mención especial merecen los actores, todos ellos tremendos en sus papeles ya que aportan el tiempo dramático necesario en sus palabras y gestos para hacer creíbles todos los momentos que el director nos expone a lo largo del metraje.

El film contine al menos tres secuencias que merecerían ser estudidas en todas las escuelas de cine pues corresponden a acertados puntos de giro en la trama donde los personajes, o bien descubren datos importantes sobre su objetivo o bien se transforman, lo que siempre es más que interesante ya que aporta una dualidad o nuevas lecturas sobre lo que estamos viendo.

Aunque Kieslowski hacía cine de autor (y venía del documental), podemos observar que maneja a la perfección los recursos dramáticos de la ficción, y este film tiene mucho de "La ventana indiscreta", un suspense bien tramado y narrado que aporta tensión a la historia, pero de igual modo tiene también una narración emocional que se asemeja a las que narran las novelas de iniciación adolescente de los grandes autores Rusos y Franceses del siglo XIX.

Decía Kieslowski que había que encontrar al actor en el documental y a la persona real en la ficción y "No amarás" es un excelente ejemplo de ello.

Film de una crueldad inusitada y de una magia escondida, "No amarás" es una absoluta obra maestra (y de arte) que espera ser descubierta por aquellos que aún no se atreven a acercarse a la obra de éste autor.

Lo mejor es que, lo crean o no, Kieslowski en "No amarás", y me atrevería a decir que en todas sus películas, no aburre, sino que entretiene como un viejo maestro de Holywood que dentro de las limitaciones del cine independiente o de autor ha entendido que la historia está por encima de todas las cosas.

Contar una historia siempre es lo más importante.

MI NOTA: 9,5

LO MEJOR: Corta, directa, certera, real... maravillosa.

LO PEOR: Que se confunda su humildad con pobreza.

SE PUEDE ENCONTRAR EN: CAMEO MEDIA tiene editada dos ediciones; una sencilla con un solo disco (puede que ya esté descatalogada) y otra en forma de Pack con todos los demás capítulos de la serie DECÁLOGO. Diferentes precios.



Películas de culto; "El nadador" de Frank Perry

Tengo que reconocer que no conocía esta enorme película que desde hoy mismo consideraré como una joya fílmica. De hecho es una película bastante invisible y he llegado a ella por medios curiosos; alguien se la recomendó a mi pareja y mi pareja me la recomendó a mí, así que empecé a buscarla para ver si estaba en dvd, y por desgracia ya estaba descataloga... nada grave; cuando me ocurre esto siempre voy a AMAZON, y efectivamente allí la encontré, a un módico precio, en ZONA B (Europa) y con audio y subtítulos en castellano (por supuesto que en inglés también).

Hablar de "el nadador" es algo complicado por dos motivos; primero porque puedes desvelar detalles importantes de la trama y segundo porque el argumento, contado o leído, puede parecer extraño, aunque totalmente original. Veamos;

Ned Merril (Burt Lancaster) es un hombre de mediana edad que desea atravesar una urbanización  (ubicada en un precioso valle) para llegar a su casa. Decide para ello ir de jardín en jardín y bañarse en las piscinas de sus vecinos.

Curioso argumento, ¿verdad? Pues lo que ocurre a continuación también lo es.

"El nadador" no puede negar la influencia del cine europeo de los años 60 (en especial de Antonioni), y es por ello que el film (tanto en forma como en contenido), se aleja mucho de las películas norteamericanas que se rodaban en aquellos tiempos.

El film comienza de forma pausada (puede incluso provocar cierta desidia), pero cuanto más minutos pasan más nos interesamos por la vida de este nadador anónimo que se va encontrando con sus vecinos y cuyas situaciones nos revelará secretos escondidos y una curiosa forma de ser.

Ayudada por una excelente fotografía y un montaje que alterna los tiempos relajados con los tiempos movidos, el film discurre por la senda de la comedia, para más tarde convertirse en un drama. Al final entenderemos porque este personaje decide cruzar su urbanización nadando en las piscinas de sus vecinos como si le fuese la vida en ello.

Destaca en el film la excelente labor interpretativa de Burt Lancaster (quizás su mejor papel junto con "el fuego y la palabra" y "el gatopardo"), y un guión más que cuidado cuyos diálogos son exquisitos sin caer en lo petulante y/o poético. Sinceramente la manera en la cual está escrita esta película me recuerda mucho al tono de otros filmes como pueden ser "El graduado" o "la última película" y es que son pocas las líneas de texto que necesita el guionista del film para definir con certeza y claridad a todos los personajes que pueblan la trama.

Como punto negativo tengo que reseñar la música de Marvin Hamlisch, que en algunos momentos se repite y tiene un tono excesivamente señorial para lo que se nos está contando. Además de la música hay dos o tres secuencias en los que el trabajo de cámara (movimientos y luz) está muy cercano al POP más inglés (tono Richard Lester), lo que desde mi punto de vista desmejora en resultado global.

"El nadador" es una película que amarás o que odiarás, pero que no te dejará indiferente. Yo sólo puedo decir que hacía mucho tiempo que una historia (y sobre todo un final) no me tocaba tanto el corazón.

MI NOTA: 8

LO MEJOR: Los diálogos; Memorables. Burt Lancaster.

LO PEOR: Dos o tres escenas donde el cámara parece haber fumado algo de hierba. La música que en algunas secuencias enfatiza mucho lo que está pasando o siente el personaje.

SE PUEDE ENCONTRAR: AMAZON España. Pones el título en inglés y te sale la edición de Reino Unido. La puedes comprar sin problemas ya que lleva audio y subtítulos en castellano. Precio, siempre oscila entre 3 euros y 4,95.

Las diez cosas que más me joden de una película (o serie de tv)

NOTA: No pongo el cartel de esta película por nada..... ¿O sí? jajajjaja

No lo puedo evitar. Hay cosas que me joden mucho cuando estoy viendo una película. Cosas con las que no puedo. Me mosquean y mucho. Siento ganas de matar al director, al guionista, a los actores... si por mi fuese saldría de la sala y mechero en mano (bueno, ahora ya no fumo...) quemaría la sala con todas aquellas personas que disfrutan de lo que yo considero puros momentos de mierda.

En fin, aquí va la lista de las cosas que más me joden de una película (o serie de tv)

1) El típico momento cuando uno de los personajes empieza a hablar por los codos en una conversación para explicar que su vida es una mierda (o está depresivo, o es un hijo de puta, o algo le trae malos recuerdos), porque su padre lo violó, su madre era una borracha, su hermano un drogadicto y su abuelo o abuela un vagabundo. En fin, que para justificar cualquier asunto turbio del personaje se nos habla de un pasado chungo y de telenovela. A ver, sugerir está bien, no digo que no... pero esos monólogos eternos donde los personajes se quejan de la vida que han llevado porque han sido unos niños desgraciados no me mola nada. Recuerdo que en "Gremlins" el director hace una crítica de estos momentos, (cuando la novia del prota comienza a hablar de unas navidades pasadas y un enorme trauma que tiene desde ese momento).

2) Me  podéis llamar clasista, me la trae al pairo... pero los personajes tienen que hablar según la clase social a la que pertenezcan y/o al entorno en el que se muevan. Está claro que en la vida real no tiene porque ser así, pero las películas no son la vida real y estoy harto de ver que en los filmes, las putas del Raval o de la Calle Montera hablan como profesoras de universidad y escritoras de premio Planeta... los pijos como cajeras del DIA (con todos mis respetos a las cajeras del DIA), y las cajeras del día como licenciadas en empresariales.

3) Una historia se compone de ACCIÓN DRAMÁTICA, no de momentos donde no pasa nada. Estoy hasta los huevos de ver (sobre todo en muchos filmes europeos, incluidos los españoles), que durante los primeros 30 minutos los personajes comen, desayunan, leen, cagan, follan, se peinan, caminan, vuelven a comer, duermen, comen, vuelven a follar.... pero no pasa nada. La historia es una absurda sucesión de momentos cotidianos que ya vivimos todos diariamente en nuestras tristes y absurdas vida. Menuda manera de perder el primer acto...

4) Cuando los actores, para ser más naturales SUSURRAN. A ver, sé que es una moda comentar, enseñar y decir a los alumnos en los cursos de interpretación que uno es más natural cuanto más susurra porque no hace falta gritar... Efectivamente no hace falta gritar, pero tampoco hablar como un puto Gnomo de los cojones. De igual modo se echa en falta un poco más de vocalización porque hay veces que no puedo entender lo que dicen muchos actores. Durante mucho tiempo pensé que era problema del técnico de sonido... ahora sé que SUSURRAR, o al menos eso dicen, es muestra de ser un actor cojonudo... ¡¡¡Los huevos!!! Añoro los tiempos de esos actores y actrices (desgraciadamente de otra generación), los cuales al hablar, se les entendía perfectamente. Y no, no declamaban, simplemente sabían que cada palabra tiene su sonoridad, su momento y su entonación, y que por tanto debe ser dicha como debe ser dicha. No hay más. Si esto no os sirve como argumento pensad en todos aquellos abuelos y abuelas que están sordos... ¿de verdad se merecen no entender una película? ¡Cúanto corazón insensible!

5) La música significa.... una o dos canciones en algún determinado momento, vale... Pero diez discos por película me parece un crimen¡¡¡¡ Hay películas donde la música importa más que la historia. Enorme error. Y hay películas donde el director dice "Ay, está canción me molaba cuando era joven, y ésta, y la otra..." y de pronto empieza a meter canciones sin que vengan a cuento y canción tras canción te das cuenta que en realidad no estás viendo una película, sino una recopilación de canciones de esas que venden por la TV a las cinco de la mañana. Cameron Crowe hace esto en sus filmes. ¡PESADO, ya sabemos que antes de director, fuiste crítico de rock¡

6) Se apagan las luces, sale el logotipo de la productora (o de la Comunidad autónoma que se precie.....), y comienza la película sin ¡¡¡títulos de crédito!!! Ahora es muy moderno empezar la película del tirón, y dejar para el final la los nombres de aquellos que han participado en su realización, pero recuerdo a todos mis queridos "modernos" de mierda que en la historia del cine hay grandes títulos de crédito que forman parte del film... Títulos de crédito que aportaban, primero emoción, luego información y por último arte puro y duro. Sí, lo sé... odio a los modernos, ¿se nota o qué?

7) Amigos y amigas directores/guionistas con mentes de adolescentes con síndrome de REBELDE SIN CAUSA. Ya está más que visto que un personaje se quite la vida para salir de sus problemas. Siempre lo he visto un recurso fácil y muy utilizado... en los cortos de cuando teníamos 15 años, claro. No hay nada más absurdo que ver a un personaje morir porque así lo ha decidido y que otro personaje diga "no podía más.... el mundo se le hacía cuesta arriba".

8) Los silencios están muy bien. De verdad, yo amo los silencios, sobre todo cuando el puto niño de mi vecina no deja de llorar, pero AMAR LOS SILENCIOS no es "HAGO CINE MUDO pues los rostros y los gestos de mis personajes hablan por sí mismos". Hay películas donde no se habla nada y funcionan. Hay otras películas donde no se habla nada y todo queda de puta pena. ¿Por qué? Porque los silencios deben estar dramatizados y no impostados y/o puestos como recursos de estilo. Lo dicho; menos silencios y más diálogo que signifique algo, por favor. Que parecemos KIAROSTAMI (No, no es un Pokemón).

9) Odio con toda mi alma cuando la cámara se mueve mucho porque el director decide que los personajes están nerviosos y la película tiene mucha tensión. ¡Y una mierda! La tensión viene con la historia.... he visto películas con una enorme tensión donde la cámara no se movía nada, no hacía falta. Y he visto películas más aburridas que nada donde la cámara se movía mucho. ¿Por qué? Pues porque no pasa nada y hay que llamar la atención. Ridículo. En la dramaturgia está el secreto. Analizar bien que queremos contar. Luego porqué. Si hacemos ésto, el CÓMO, saldrá solo. No hace falta forzar nada.

10) La historia comienza a ponerse interesante y...  ¡¡¡Termina la película!!! Sí, sé que parece imposible pero no es la primera película que veo que tiene PRESENTACIÓN, PRIMER ACTO y luego nada... ¡Todo lo demás se ha olvidado de escribir! El guionista o director deja a la libre interpretación, no ya solo el significado de la película, sino los hechos que pueden dar una solución (o no), al conflicto del protagonista principal. Si Shakespeare que era un genio no hacía ésto, ¿por qué lo hacen algunos DON NADIES?

En fin, éstas son las cosas que me molestan y MUCHO cuando veo una película.

¿Y a vosotros?

Espero vuestros comentarios.

Películas imprescindibles: "Un lugar en la cumbre" de Jack Clayton

Hay películas imprescindibles e inolvidables que dejan huella en la historia del cine y un enorme y grato recuerdo a quien las ve, y "Un lugar en la cumbre", de Jack Clayton, es una de ellas.

"Un lugar en la cumbre" es una de las obras maestras de lo que se llamó "Free Cinema Inglés", algo así como la nueva ola de cineastas británicos que salieron a la palestra a finales de los años cincuenta. Se pueden encontrar, dentro de esta corriente cinematográfica muchos títulos conocidos y alabados por crítica y público "Mirando hacia atrás con ira", "la soledad del corredor de fondo", "el ingenuo salvaje", pero "Un lugar en la cumbre" sigue siendo la más conocida y me atrevo a decir que como film es mejor que los anteriores pues son muchas sus virtudes cinematográficas.

La película narra la historia de Joe Lampton, un joven de origenes muy humildes y bastante ambicioso que quiere llegar a ser alguien importante en la vida. Acepta un trabajo de contable en un ayuntamiento y decide conquistar a la hija del hombre más rico e influyente de la ciudad. En su camino se cruzará Alice, una mujer madura que necesita huir de un matrimonio fracasado.

Sorprende el enorme parecido que le encontramos a este filme con "Macht Point" de Woody Allen, y es que cuando se ve "Un lugar en la cumbre", se percibe que Allen tuvo a esta película como principal inspiración para su obra maestra.

El film está interpretado por Laurence Harvey, Simone Signoret y Heather Sears. Ni que decir tiene que tantos ellos como el resto del reparto realizan unas interpretaciones memorables, destacando la enorme caracterización de Simone Signoret como madura atormentada, cuyo papel le valió el Oscar a la mejor actriz protagonista en el año 1960.

Lo maravilloso de "Un lugar en la cumbre" es su increíble desarrollo dramático, siempre en movimiento, aprovechando cualquier secuencia para mostrarnos unas perfectas definiciones de los personajes en base a lo que hacen y dicen. De igual modo el guión fuciona a la perfección puesto que los golpes de giro son numerosos, y las dos historias de amor que se cuentan en el filme, (una de ellas desgarradora, y la otra fría e impávida), sirven como excusa perfecta para presentar el verdadero tema del film; la ambición y la lucha de clases. Neil Paterson ganó el Oscar al mejor guión adaptado por su trabajo en esta película.

Destaca también la enorme dirección de Jack Clayton, cuya carrera más que interesante, tiene en "un lugar en la cumbre" a su obra más representativa, ayudada por la excelente fotografía de Freddie Francis (ganador de dos Oscars de la Academia), quizás uno de los mejores directores de fotografía de la historia del cine y que aquí realiza un trabajo impresionante, haciendo con la luz verdaderas representaciones del estado de ánimo de los personajes y jugando con los contrastes de una manera maravillosa.

Es "Un lugar en la cumbre" un film que te atrapa desde el primer minuto y que te revuelve el estómago y la conciencia, puesto que su historia absorbe al espectador y lo lleva de viaje por el lado más oscuro de la conciencia humana.

Me atrevo a decir, sin miedo a equivocarme, que el cine moderno comienza con "La aventura" de Antonioni, "El apartamento" de Billy Wilder, "los 400 golpes" de Truffaut, y este film que nos ocupa, puesto que su enorme modernidad tanto a la hora de plantear la historia y las situaciones dramáticas, llama mucho la atención por su realismo y en cierto sentido por su crudeza.

Es "Un lugar en la cumbre" una de las 100 mejores películas de la historia por derecho propio y en sus 52 años de vida no ha perdido un ápice de actualidad. Más quisieran muchas de las películas que se hacen ahora ser tan valientes (y a la vez tan inteligentes y respetuosas), como ésta a la hora de tratar temas como la ambición, la lucha de clases, el amor, y la falta de escrúpulos.

Definitivamente si no has visto "Un lugar en la cumbre" te estás perdiendo un películón que recordarás para siempre. ¿Te la vas a perder?

MI NOTA: 10

LO MEJOR: Simone Signoret. (Oscar a la mejor actriz). Una docena de secuencias que te hacen aplaudir de admiración.

LO PEOR: Que le cine de hoy día no la tenga en cuenta para aprender a hacer las cosas mucho mejor.

LA PUEDES ENCONTRAR: Existe una edición maravillosa del año 2006 ya descataloga de MANGA FILMS, cuya carátula es la que acompaña a este artículo. En la actualidad hay una edición en REGIA FILMS cuyo precio es de 7,95 Euros.