Diez cosas a tener en cuenta antes de decir ACCIÓN!

1- Procura llevar el guión definitivo. Lo que parece algo tan lógico a veces se olvida, y el guión se va cambiando sobre la marcha según sugerencias de los actores y el productor. ¡Un lío! ¡Sobre todo si lo tienes que hacer durante el rodaje! Un guión cerrado, en el cual has pensando mucho, te permitirá enfocarte en lo que realmente importa de un rodaje, ¡los actores!

2- Intenta contratar a un buen ayudante de dirección. Será tu mayor aliado en el rodaje, ¡aunque los demás no lo quieran ni ver! He visto a varios ayudantes de dirección durante toda mi vida profesional y todos ellos son diferentes, pero la inmensa mayoría de los que son MUY BUENOS tienen algo que los diferencia de los demás; PRESENCIA, RITMO y FACILIDAD PARA DECIR !NO! ¡A TRABAJAR! y todo el mundo se pone a trabajar sin decir ni MU.

3- Intenta que el equipo sea profesional o que ya tenga alguna que otra experiencia en el mundo del cine. Currar con amigos y con gente que no tiene experiencia es "muy bonito" e "idílico", pero un rodaje es algo muy duro que necesita TRABAJO TÉCNICO, CONCENTRACIÓN y RESPONSABILIDAD por parte de todos los integrantes del equipo. Un equipo con poca experiencia o con un concepto "lúdico" del negocio puede estropear un buen rodaje porque no se toma las cosas en serio o cree que están currando para pasar el rato. De ahí a que opine todo el mundo MENOS EL DIRECTOR hay un paso y entonces... ¡Rodaje perdido!

4- El sonidista es un miembro más del equipo DE PLENO DERECHO. Debes recordarlo siempre y darle las mismas oportunidades para que se exprese libremente y creativamente dentro de la idea general que habéis hablado en la preparación del corto. Cuando se tenga que repetir por algún error de SONIDO no digas "repetimos por error de sonido", puesto que cuando hay un error de dirección o de actores, no se dice "REPETIMOS POR UN ERROR DEL DIRECTOR O DE LOS ACTORES". Se presta poca atención al sonido y es una lástima. El sonido puede hacer maravillas en nuestros proyectos. No lo puedo evitar, admiro a los de sonido!

5- No eres un genio, lo sabes, ¿verdad?, así que RELAX y tampoco intentes hacer CIUDADANO KANE en cada plano porque lo más seguro es que;

a) no puedas

b) pierdas el tiempo en tomas innecesarias 

c) la gente se canse de ti porque no tiene la menor idea de lo que quieres conseguir.

Es increíble la cantidad de tiempo que se pierde intentando que un plano quede BONITO o SUPER MODERNO.... tiempo que podríamos invertir en ayudar y dirigir a los actores para que lo den todo. 

Recuerda que casi siempre MENOS es MÁS y más vale un corto o película equilibrada en su humildad que un corto o una película DESEQUILIBRADA en su ridiculez egocéntrica.

6- Si no sabes dirigir a actores contrata a alguien para ello... aunque lo ideal sería que el director se ocupase de dirigir a sus actores pues ellos son el elemento más importante con el cual dará forma a su historia. Intenta por lo tanto que la parte técnica ya esté hablada en pre-producción; no hay nada más triste que ver a un actor sólo en un rodaje mientras el director intenta hacer ese travelling perfecto. 

7- Llega un momento, en cualquier rodaje, que por mucho que lo intentas no te entiendes con un actor. Se pasa jodidamente mal. Una mala relación entre un director y un actor crea un ambiente tenso. Tienes dos opciones; o pasas del tema y acabas lo mejor que puedas o te pones en tu sitio y eres totalmente INFLEXIBLE. Sabrás que tienes que hacer cuando te toque. 

En cualquier caso lo ideal sería que un actor respete tus dudas y tus tempos y que tu hagas lo mismo con el actor. Si un actor sólo está preocupado por él mismo, hasta el límite que acorta los tempos y perjudica a otros actores; SE PERRO. Ponte en tu sitio y di NO, NO y NO. Si no funciona trata de terminar la jornada de trabajo lo más rápido posible y tener mano izquierda. ¿Solución? Hablar con el actor en la preparación de la película y ver si hay conexión. Las primeras impresiones siempre cuentan. ¡Haz casos de ellas!

8- Hay actores que preguntan más y actores que preguntan menos. Lo creas o no muchas veces TODO depende del método que han estudiado. Los jodidos métodos de interpretación. En cualquier caso es por ello que debes trabajar Y MUCHO el guión. En un buen guión todas las preguntan ya están ahí sobre el texto y hasta el actor menos inteligente podrá responder cualquier duda con sólo leer el texto. Si aún así el actor tiene dudas, es conveniente que te sientes con él cinco minutos y se las resuelvas CLARAMENTE. No hables de texturas, no hables de sensaciones, no hables de colores y almas... habla de ACCIONES FÍSICAS, LO QUE PASA ANTES DE LA ESCENA, OBJETIVOS y ESTADOS DE ÁNIMO.

9- Si el paso 8 no funciona di "EL PERSONAJE ESTÁ ESCRITO ASÍ PORQUE ASÍ LO QUISE Y PUNTO". Es una respuesta tajante y borde pero que la inmensa mayoría de los actores profesionales aceptará.

10- Acepta tus limitaciones como director y como persona. No tengas miedo de pedir ayuda y en el mejor de los casos de delegar cualquier función que no sepas hacer.  Me asusta cuando veo a directores con dos cortos que se creen genios, que se supone ya saben todo lo que se tiene que saber sobre el oficio de hacer cine y sobre los problemas que eso conlleva. Lo creas o no hasta un MONO AMAESTRADO podría dirigir una película. Nuestro oficio está mitificado por la prensa. Dirigir consiste en responder CLARAMENTE a todas las preguntas que el equipo te hace, antes, durante y después del rodaje. Lo único que tienes que hacer es tener claro EL OBJETIVO DE LO QUE ESTÁS HACIENDO y AQUELLO QUE QUIERES CONTAR. No salir de esos objetivos y pensamientos e ir directamente al grano te ayudará a no perder el norte.

Y un consejo más de regalo;

11- Un éxito no te asegura nada. Un éxito es una mezcla de suerte, trabajo y destino que se puede dar una vez en la vida. Así que procura que todo el mundo haga bien su cometido para que al final, con el producto ya hecho y puesto al público siempre puedas decir "LO HICIMOS LO MEJOR QUE PUDIMOS".

¡Hola! Trabajo en el cine español... ¿Puedo criticar?

Hace muchos años un gran amigo que se dedicaba al cine (y desgraciadamente ya no está entre nosotros) me dijo; "Hay una regla NO ESCRITA en el cine español que se lleva a rajatabla... Jamás, jamás, jamás... bajo ningún concepto debes criticar la obra de otro compañero".

No me quedó claro si se refería exclusivamente a críticas públicas o a opiniones privadas que se pueden decir en charlas de cafetería y reuniones con amigos donde, (vamos a reconocerlo) de vez en cuando sale la mala baba. ¡No somos perfectos! ¿verdad?

La cuestión es que los que, de algún modo u otro, vivimos de esta profesión, a veces nos encontramos con la incómoda situación de tener que opinar y/o criticar sobre la obra de un compañero (sea amigo/conocido/desconocido/etc...)

Venga, vamos a ser sinceros... No hace falta ser muy listos para darnos cuenta que a nuestro cine y a los que trabajamos en él nos hace falta una buena dosis de auto-crítica. Ya sea por compañerismo o corporativismo, por vagueza... o por miedo a perder amigos (o que ese GENIAL director super conocido que maneja el cotarro sepa lo que opinamos realmente de su trabajo...), se suceden muchas situaciones donde nos ponemos en ridículo a nosotros mismos y a nuestro sentido crítico. 

A veces, asistimos a una película mala o deficiente y al terminar la proyección tenemos el síndrome de "MI HIJA ES MUY FEA... PERO ES MUY GRACIOSA" y tapamos las cosas malas que podamos decir sobre la película en cuestión con frases "arregladas" o "bien colocadas" para hacer ver que, aunque la película del compañero no nos ha gustado mucho, tiene posibilidades, y que ya sólo por el esfuerzo que supone hacer una película, merece la pena opinar de ella que es un trabajo salvable.

El problema viene cuando la película es tan horrenda que hasta mi abuela podría hacer una crítica super heavy en el programa de Maria Teresa Campos y entonces... POR ARTE DE MAGIA... convertimos esa crítica en una serie de alabanzas super exageradas hacia el director y al resto del equipo, críticas CON PLUMERO que se publican una y otra vez por facebook, se repiten incansablemente en charlas de café (sobre todo cuando tenemos amigos que han participado en esa película), y también cuando sabemos que el director o el equipo es INTOCABLE.... porque sí, amigos míos, nos guste o no hay DIRECTORES y EQUIPOS intocables. Ojo, yo no lo veo bien, en realidad tampoco lo veo mal, pero si es verdad que echo de menos, alguna vez, por raro que sea, un director que diga "Joder, me he equivocado de lleno", y que todos respiremos aliviados y le digamos "BUENO, NO TE PREOCUPES... YA HABRÁ MAS OCASIONES".

CUIDADO! Tampoco me parece bien que por motivos personales (venga, hombre... tenemos que reconocerlo, vivimos en una profesión donde los Egos se pisan una y otra vez y las "cosillas" personales a veces no nos dejan avanzar), se haga una crítica destructiva sin tener en cuenta que la película está bien... o peor aún, que la crítica en cuestión se utilice para RECALCAR una y otra vez que odiamos al autor.

En fin, como podéis ver el tema es delicado y tampoco vamos a solucionar nada.

Por lo tanto me he permitido la licencia de hacer un pequeño ESQUEMA o PROTOCOLO de actuación.

¿QUIÉN HACE LA CRITICA?

En este apartado me gustaría recalcar varias cosas. En primer lugar un jerarquía absurda pero que parece funcionar en todos los aspectos.

- Si NO TE DEDICAS al cine PUEDES OPINAR LO QUE TE SALGA DEL BOLO en cualquier parte. Da igual. Tu da caña. No pierdes nada.

- Si eres un director que está a punto de rodar su primer corto amateur, solamente puedes criticar otros cortos amateurs. La verdad es que también puedes criticar lo que te salga de los huevos... nadie te conoce... NADIE TE HARÁ CASO.

- Si eres un director que ya tienes un corto o dos más o menos potentes que han estado en festivales de cine de todo el país, puedes criticar a los realizadores AMATEURS que vienen por detrás tuya y a los directores de cortos que compiten contigo en muchos festivales.  ¿A todos? Me temo que no. A todos no. Porque aunque ya tengas dos cortos potentes no todos los directores de cortos son iguales, así que.... amigo mío, te toca esperar.

(Aquí me gustaría recalcar algo curioso que se ve sobre todo en face. El nivel de crítica según sea tu posición en el mundo del cine. Un director que ya hace películas más o menos potentes nunca te dirá que ha visto tu corto y le ha gustado. Incluso tampoco te pondrá UN ME GUSTA. Supongo que apenas tienen tiempo con su vida... ¿cómo lo va a perder en ponerte UN ME GUSTA? 

Luego están los directores de películas independientes que antes de dar el pelotazo siempre opinaban sobre los trabajos de los directores de cortos, y ahora que "han dado el pelotazo" (lo que viene a ser lo mismo que ganar dos o tres premios en ESTONIA, LONDRES Y BOMBAY), ya no están obligados a decir nada a los directores de cortos que antes "amaban". Ahora, pueden opinar sobre las películas de los directores de cine que habitualmente ruedan. Una opinión que no obtiene respuesta, pues, como he dicho antes, LOS DIRECTORES CONSAGRADOS Y QUE RUEDAN HABITUALMENTE ESTÁN MUY OCUPADOS, así que el director independiente se siente bien al saber que, al menos, el director reconocido podrá ver su ME GUSTA en el muro de face. 

LOS DIRECTORES RECONOCIDOS sólo opinan de otros directores reconocidos y de directores de cortos, (estén empezando o no) que sean amigos y/o antiguos compañeros de rodaje. Es así. No hay otra. Así que si esperas que Almodóvar te diga que el último corto que has hecho es la polla... espera sentado!!!! ¡¡¡O a tener dos Oscars!!!

Luego hay un número indeterminados de VALIENTES que quieren entrar en la profesión y que lo critican TODO de TODOS. No entrarán en la profesión... Serán críticos en la mejor tradición de Carlos Boyero y Alberto Rey. Ojo, yo no  sé si Carlos y Alberto querían entrar en la profesión, pero da igual... ahora cobran mucha pasta y pueden decir lo que les salga de los cojones. ¡Son los críticos más influyentes del país!

¿DÓNDE SE HACE LA CRÍTICA?

- Si no te dedicas al cine, en cualquier parte. Da igual. En tu cuarto de baño. En la cena de Navidad. Delante de todo el director y el equipo en un festival de cine o en la sala de estreno. (Ojo, son estas las críticas que más duelen). Algo bueno debe tener no dedicarse a esto.

- Si eres un director (cambiar la palabra director por ACTOR, FOTO, VESTUARIO....), que está empezando a hacer cortos con los amigos y tal, podéis criticar también donde os venga en gana. Nadie os hará caso.

- Si eres un director que ya tiene dos o tres cortos potentes y tu nombre suena más allá de tu barrio, puedes hacer la crítica en tres sitios diferentes. A) Con los amigos en los bares después de ver el trabajo en cuestión. B) En face, siempre y cuando seas suave. Cuando digo FACE me refiero también a blogs y demás medios de comunicación AUTO-FINANCIADOS. C) En festivales de cine SIEMPRE Y CUANDO nadie te escuche y/o la crítica no sea muy mala.

(Si eres un director de cortos SUPER CONOCIDO te recomiendo no hacer ninguna crítica y poner buena cara) Joder, te queda poco para llegar, ¿para qué la vas a cagar ahora?

- Si eres un director independiente tu lugar para las críticas son LOS FESTIVALES DE CINE. No hay otra. Los festivales de cine están llenos de directores independientes cuyos EGOS (de momento) no están por las nubes. Allí todo se arregla con una buena copa y un buen polvo. Entre copa y orgasmos puedes decir ME MOLA TU PELÍCULA o bien CREO QUE LE FALTA ALGO o bien CREO QUE DEBERIAMOS CURRAR JUNTOS o bien... ¡TE AMO! ¡VAMOS  A CASARNOS EN LAS VEGAS! Calquier crítica con alcohol y sexo es apreciada sin ánimos bélicos por el emisor y el receptor.

- Si eres un director SUPER RECONOCIDO (sobre todo de largos... o que ya trabajas habitualmente en proyectos propios más o menos publicitados por los medios), puedes hacer tu crítica por privado. Ves la última película de tu compañero y al día después lo llamas y le dices "oye, vi tu pelí y quería comentarte que....". Solamente si no te ha gustado. Si la película te ha gustado puedes opinar MARAVILLAS en FACE, a la salida DEL CINE, con tus amigos de profesión y haciendo el amor con tu pareja.

En fin, espero que este escrito os pueda ayudar para lanzar vuestras opiniones. También espero que, en la medida de lo posible, (ya sin bromas), podamos hacer críticas constructivas de TU a TU. Y también espero que aprendamos algo; si hacemos cine, nos exponemos.

Hasta un panadero se expone al hacer su barra de pan.

Es lo que hay.

En fin, me voy a ver la última de Pedro que dicen es la caña... ¡¡¡¡Pedro, te amooooooooooo!!!!

MI DECÁLOGO DEL GUIÓN

 

A veces, los alumnos y alumnas de mis cursos me piden consejos para poder abordar un guión, ya sea de corto o de largo. Por increíble que parezca las preguntas son artísticas más que técnicas, y es que la técnica del guión se puede aprender en un par de clases. Ofrecer ARTE ya es más complicado y requiere de mucho trabajo y otras cuestiones igual de importantes que se van aprendiendo sobre la marcha en base a la experiencia profesional y personal.

Después de pensar, he aquí mis consejos para todos aquellos que quieran seguirlos.

1- ¿Quieres escribir un guión? Tienes que ver mucho cine, y leer todos los guiones originales (y manuales que puedas). Por raro que parezca a veces me encuentro con personas que quieren ser guionistas y no ven películas ni tampoco leen libros sobre el tema. ¿Os imagináis a un Picasso joven sin haber prestado atención a cuadros y pintores anteriores a su época? Vivimos en tiempos modernos y extraños donde la incultura parece haberse adueñado (a veces) de las profesiones artísticas. Algunos "artistas" anuncian a los cuatro vientos que jamás han leído ni visto nada, que simplemente aprendieron a hacer arte por puro instinto. La verdad es que la afirmación anterior es "muy bonita" y "bohemia" pero a la larga acaba por dar más de un problema. ¿Te imaginas a un médico que no haya estudiado nada ni sentido curiosidad por, al menos, otros doctores de su especialidad? Lo dicho; si quieres escribir cine tienes que ver cine y leer libros sobre el guión y guiones originales. Al menos para discutir lo que en ellos se dice. No hay peor necio que el que se niega a saber de todo (o al menos de su tema).

2- El guión es técnica y arte... pero también vida. Las mejores obras son aquellas que encierran verdad en sus páginas o en sus imágenes, una VERDAD que es conocida por el autor desde todos los puntos de vista, una verdad que el autor pudo vivir en un determinado momento de su vida. Está genial que se quiera escribir sobre naves espaciales, ejércitos romanos y terroristas internacionales, pero desgraciadamente el mercado internacional ya tiene a sus expertos en estos temas y un guión primerizo sobre estas cuestiones rara vez sale a la luz. Lo mejor es escribir algo potente sobre un tema que se conozca de verdad. Algo que nos haga sentir y pensar. O al menos escribir sobre algo que nos despierte muchas ganas de escribir, que nos provoque un impulso irrefrenable de querer contarle al mundo la historia que hemos imaginado. Os sorprendería comprobar la inmensa cantidad de guiones que tengo que leer al año cuya VERDAD no encuentro por ningún lado. Imitaciones de éxitos internacionales y nacionales sin nada que aportar. Cuando a mis manos llega un guión con VERDAD en su interior lo devoro de arriba a abajo. Puede que tenga defectos, que sea amateur o que no esté del todo conseguido, pero me da igual. Sé que el autor ha hablado de algo que conoce, de algo que le mueve y le conmueve. Os aseguro que, cuando el texto se arregle, el guión será cien veces más potente que cualquier otro.

3- No cuentes una historia INMENSA para quedarte en sus límites y "lugares comunes", cuenta una historia pequeña o contenida pero que sea metáfora de un mundo extenso y gigante. Es mejor partir de lo particular para ir a lo general. A menos que seas un maestro del guión, te recomiendo que tu historia se inscriba dentro de unos límites humanos, temporales y espaciales determinados y que a partir de ahí vayas construyendo todo un mundo para hablar de diversos temas que te interesan. Por ejemplo, EL PADRINO es la historia de una familia de la mafia pero también es la historia de Norteamérica. ¿Te imaginas que Coppola hubiese escrito una película sobre la historia del país desde los colonos hasta el siglo XX? Podría haber sido interesante pero algo pesado, denso.... y arriesgado. EL PADRINO ya encierra la visión general de un país y Coppola lo escenifica poniendo como metáfora la historia de una familia que cuestiona las bases sobre las que se ha creado un país. Maravilloso, ¿verdad? Todo ello sin salir del despacho de Don Corleone!!!

4- Un personaje ES LO QUE HACE, no LO QUE DICE. El cine es un arte visual y debemos ver a los personajes haciendo cosas. Está claro que el diálogo es muy importante pero evita que toda la información sobre los personajes se transmita a través de él. Recuerda también que tienes sonidos, y miradas, y silencios... Da igual que tu personaje diga que es VALIENTE si al primer momento de presión sale corriendo. Ojo, estaría bien si con eso quieres dar una imagen contraria a lo que dice el personaje pero generalmente si es VALIENTE lo tenemos que ver con acciones; que luche por lo que cree, que se enfrente a alguien, que cuestione el orden establecido con hechos y acciones de peso.

5- El diálogo es lo más complicado de escribir y (siento mucho afirmarlo)  no se puede aprender o cuesta mucho enseñar. Hay personas que tienen mejor oído que otras y son esas las que escriben unos diálogos memorables. Para escribir buenos diálogos tienes que conocer bien a tus personajes y personalizar sus maneras de hablar. Muchos guiones incurren en un error TODOS LOS PERSONAJES HABLAN DE LA MISMA MANERA. No hay nada más aburrido que escuchar a una cajera de supermercado y a un millonario hablar de la misma manera. Son personas diferentes, ¿verdad?, en entornos diferentes, ¿verdad?, entonces, ¿por qué hablan igual?

6- Intenta enganchar a la gente desde la primera página. Si tu historia es de miedo presenta algo inquietante en los primeros minutos... Puede ser un hecho, un sonido, un ambiente o un tono, pero tenemos que conocer AL PRINCIPIO lo que define a la historia que estás escribiendo. Tienes diez minutos antes de que la gente comience a bostezar, a apagar la tele, salir del cine o tirar el guión a la basura, así que no malgastes el tiempo con explicaciones ridículas y personajes que no saben donde van.

7- Las películas tratan sobre personas normales (o no) que se enfrentan a hechos únicos y extraordinarios. A un parado que ha conseguido trabajo de pega-carteles le roban la bicicleta con la cual debe hacer el trabajo (Ladrón de bicicletas), una novata del FBI tiene que cazar a un asesino en serie en su primer caso (El silencio de los corderos), incluso la película más extraña e independiente tiene un personaje normal al cual le pasa algo que pone en funcionamiento una trama y altera su orden de vida; una niña pequeña descubre el mundo a través de una película (El espíritu de la colmena). Si tu personaje principal hace lo mismo al comienzo y al final del guión, mal vamos. A nadie le interesa las historias de gente NORMAL a la cual no le pasa nada. Para eso ya vivimos la vida diaria. Y lo creas o no, NADIE hace películas sobre la vida diaria.

8- Acepta que el guión que has escrito es solamente una guía para un equipo de profesionales que luego rodará un corto o una película. Es ideal que cuanto antes te vayas haciendo a la idea, mejor que mejor. En Europa tenemos el mal del DIRECTOR-AUTOR, y es por eso que, además de películas muy buenas, se ven tantas películas malas que nadie iría a ver un sábado por la tarde al cine... por ello es importante que, de vez en cuando, escribas para otros o cedas tus guiones a segundos y terceros con el fin de que puedas DISFRUTAR-SUFRIR la agradable sensación de ser un guionista por encargo. Pero al menos, guionista.

9- Vivimos tiempos de crisis donde NADIE da NADA a NADIE. Ese guión de naves espaciales que tienes escondido en un cajón tendrá que esperar. Escribe algo que, en el peor de los casos, puedas rodar tu mismo a modo de cortometraje o largometraje independiente. Lo importante es hacer algo y que la gente lo pueda ver. El día menos pensado ya tendrás detrás suficiente trabajo y reconocimiento como para que puedas escribir y ver hecho realidad el guión de tus sueños.

10- Acepta las críticas. No somos perfectos. Los guionistas tampoco. Sé que lo que has escrito te parece lo más maravilloso del mundo, pero te sorprendería saber que hasta Billy Wilder sabe reconocer sus guiones malos y nefastos, y cuando lo ponían a parir en una crítica o en los ambientes del cine no se enfadaba. Se lo tomaba con deportividad. Estás en un trabajo donde te expones, donde los falsos amigos te dirán lo que quieres oír y donde los verdaderos amigos te dirán una y otra vez que  puedes mejorar si quieres hacer algo que realmente merezca la pena. Es por ello que te recomiendo un alto sentido crítico, tanto para tus trabajos como para el trabajo de los demás, que te rodees de otros amigos guionistas que funcionen como conciencia a lo PEPITO GRILLO y que no dejes de aprender, de escribir, de equivocarte... y de acertar.

Cine... ¿Low Cost?

Tengo un amigo que se llaman Juan. Es panadero. Juan trabaja en una panadería... ¿y sabéis lo mejor? ¡Le pagan por ello! Ahora la cosa está mala y puede ser que Juan pierda su trabajo, pero con un poco de suerte volverá a trabajar en otra panadería... o en cualquier otra cosa... ¡Y le pagarán por ello!

Tengo otro amigo que se llama Pepe. Pepe es director de cine, guionista y montador. Es todo lo anterior porque se formó para ello. Pagó escuela de cine, Masters... y más cursos. Lo extraño de Pepe es que gana dinero trabajando de camarero o de vendedor en una tienda... y cuando trabaja de lo suyo no cobra nada o muy poco... y no cobra nada o muy poco porque casi siempre lo llaman para hacer cine Low Cost. CINE DE BAJO COSTE.

Enorme diferencia entre Juan y Pepe, ¿verdad? 

Sí, enorme diferencia... ¡Y enorme lástima!

Se ha extendido una manera de hacer cine en éste país que no me gusta. Muchos de los que hacen cine aquí ya apenas sueñan con aquellos tiempos en los cuales vivir de hacer cine significaba ganar dinero, simple y llanamente lo que ocurre en cualquier trabajo, pues de ahí el nombre; TRABAJO. Prestar un servicio y cobrar.

Lo anterior que he contado sobre mi amigo PEPE se extiende a actores, maquilladores, eléctricos, montadores, músicos... etc, etc, etc. Ahora, casi todos los que trabajan en el 80% de las producciones audiovisuales cobran NADA o muy poco. Y lo peor no es eso, lo peor es que incluso cuando detrás de esas producciones hay algo de dinero, el dinero se deja para pagar a ciertas personas del equipo, no a todas.... Por ejemplo, hace unas pocas semanas se iba a rodar en BCN un videoclip de un cantante muy famoso y conocido... Pues bien, a los actores le pagaban 20 Euros... ¿El cantante archi-conocido también cobraba lo mismo? No, ¿verdad?

¿Cuáles son los motivos para que NADIE o CASI NADIE puede vivir de hacer audiovisual? 

Está claro que en primer lugar la crisis. La crisis está afectando a todos los sectores y el sector audiovisual no iba a ser menos. 

En segundo lugar creo que Europa, (con España a la cabeza) sigue presentando un problema de conceptos que parece no resolverá jamás. Aquí o se hace ARTE o se hace INDUSTRIA... pero nadie ha entendido aún que las dos cosas son posibles. 

En tercer lugar, que seguimos pegados al pasado en el tema de la exhibición cinematográfica. Aún no hemos caído en la cuenta que ahora se consume más audiovisual que nunca pero en diferentes lugares y formatos, no solamente en el cine, también en el móvil, en la tablet, en el ordenador de tu casa, en la televisión por cable....

En último y cuarto lugar por algo muy sencillo pero que nadie se atreve a mencionar, quizás porque puede sonar snob o polémico pero... ¿Cuántas personas que se dedican al audiovisual lo hacen porque quieren hacer de ella su profesión de futuro, su ocupación...? ¿Cuántas personas que hacen audiovisuales lo hacen por pasión, con conocimientos para ello... y no por modas o post-modernismos?

En el párrafo anterior están los motivos por los cuales, creo, el cine LOW COST está tomando terreno al cine de toda la vida... al cine que daba de comer a miles y miles de familias.

Hace pocos meses DÍAS DE CINE realizó un reportaje sobre cine independiente español. Yo vi el reportaje y tengo que decir que ese cine y esos cineastas no me representan para nada. En primer lugar porque me parece ridículo que un "cineasta" diga que hace películas para él mismo y en segundo lugar porque no he tolerado ni nunca toleraré que la democratización del audiovisual haya significado UN TODO VALE y nos metan a todos en el mismo saco. Por ahí no paso. 

Yo no tomo una cámara y ruedo lo primero que se me pasa por la cabeza. No tengo tiempo para ello. No me gusta perder el tiempo de esa manera.... y en última instancia quiero y deseo que cada trabajo que hago sea un pasaporte hacia algo mejor.

Sí estoy aburrido no hago una película o un cortometraje. Mejor hago punto de cruz. Es más barato y no me expondré a críticas que, con razón y con derecho, me pueden decir que me dedique a otra cosa.

De hecho, ¿para qué sirve rodar tanto? ¿De qué sirve rodar un cortometraje o una película que nadie o casi nadie va a poder visionar luego?

El cine Low Cost está siendo un invento cojonudo para diferenciar y expandir aún más la barrera entre los que viven de hacer cine en películas profesionales, y los que no podrán acceder nunca a una producción de medianas dimensiones. Hablando en plata; el cine Low Cost es una "bella" manera de entretener al personal mientras piensa que tarde o temprano tendrá una oportunidad en el cine de medio-alto coste.

Quiero dejar claro que CADA UNO puede hacer lo que desee, pero también quiero dejar claro que NO ES CINE todo lo que se hace y que nadie vivirá del cine si las producciones LOW COST se imponen por encima de la habitual manera de producir cine. Hacer cine será entonces el lugar donde personas con mucho tiempo libre (o mucho dinero) pierdan su tiempo de ocio sin esperar ni siquiera un mínimo resultado artístico y comercial.

Está claro que hay ejemplos de cine LOW COST que han dado la campanada, y que se corresponden con buenos trabajos; "Ilusión" de Daniel Castro, "Casting" de Jorge Naranjo... pero me atrevería a afirmar que ni Daniel Castro ni Jorge Naranjo, no desean, ni quieren, trabajar de esa misma manera SIEMPRE. Ellos son profesionales y entienden que todos deben cobrar por lo que hacen en las películas... pero desgraciadamente existen "profesionales" que no piensan lo mismo.

De hecho, ¿qué aporta al resto del equipo, excepto al director o al guionista, una película low cost que ha tenido cierto éxito? ¿Ese éxito va a servir para que el resto del equipo pueda cobrar a trabajo ya hecho? Y cuando digo cobrar me refiero a un sueldo digno, no a una mínima cantidad que está por debajo, muy por debajo del sueldo que estipulan las tablas salariales.

Lo que ha salido bien una vez, dos, tres... no se puede convertir en norma porque entonces se crearán guetos artísticos y "clases sociales" dentro de un negocio ya de por si bastante jerarquizado.

Yo abogo por hacer quizás menos películas pero dentro de un sistema que permita que todo el mundo cobre por su trabajo. También desearía que ínfulas artísticas de directores y guionistas se dejasen de momento para cuando se las puedan permitir... y creen unas propuestas interesantes que siendo artísticas también sean industriales.

Los que queremos y/o vivimos de HACER CINE necesitamos incentivos a la producción profesional y a gran escala. Necesitamos (de hecho los hay... los dos productores que me han permitido realizar mis dos cortometrajes profesionales han sido así...), productores que, ya sea con dinero privado o con dinero público apoyen a jóvenes creadores que NO VEAN EL CINE COMO UN JUEGO, sí como un trabajo. Y por supuesto necesitamos que esos productores y los exhibidores que vienen detrás, sepan que las formas de ver cine han cambiado y que LA SALA DE CINE no es templo exclusivo de nuestras obras.

Necesitamos un buen sistema SINDICAL semejante al NORTEAMERICANO y al INGLÉS. Eso evitaría el intrusismo y demostraría que se necesitan méritos para acceder a trabajos y puestos más importantes. Uno debería empezar como auxiliar de dirección si quiere llegar a dirigir... igual con todos los miembros de todos los equipos. Está claro que lo anterior requiere tiempo y paciencia... pero al menos, entre tiempo y tiempo uno se va formando y va ganando lo que le corresponde por cada ocupación profesional que va teniendo en un rodaje.

Aunque desgraciadamente dudo mucho que en la España del pelotazo, el sistema SINDICAL fuese acatados por todos. Tenemos que reconocer que aquí nos gusta llegar YA y RÁPIDO a la meta, sin importar si estamos o no preparados para ello. Luego nos aseguramos el lugar en la cumbre sin apenas preocuparnos de que tenemos que responder con unas mínimas exigencias artísticass y comerciales. Pasa en todos los sectores... ¿cómo no iba a pasar en el cine?

Lo que en un primer momento puede parecer encorsetado y límitado, con el tiempo podría crear una industria importante donde los profesionales podrían acceder a buenos trabajos y ser remunerados por ellos de manera justa y equitativa.

También necesitamos una regeneración de contenidos, nuevas formas de entender y expresar ideas fílmicas, pero siempre desde un lado mínimamente comercial... Uno no es más artista cuanto menos gente ve sus filmes... y lo último es lo que piensan muchos... Muchos que miran al público por encima del hombro sin entender que de ellos comemos. Y no de los críticos. O los amigos.

Con el cine LOW COST no se come. Tampoco de los crowdfunding en los que como mendigos vamos pidiendo pequeñas aportaciones para hacer nuestras películas. Para los cortometrajes vale, pues siempre han sido producidos de esa manera, pero para hacer largometrajes necesitamos apoyo económico serio y fértil. 

¿Queremos JUGAR a hacer cine... o queremos hacer cine? ¿Queremos vivir de lo que hacemos o queremos SOBREVIVIR de lo que apenas nos aporta nada?

Son mis reflexiones.

LAS 10 PELICULAS QUE MÁS EMOCIONES ME HAN DESPERTADO

La semana pasara realicé un post sobre mis 10 películas favoritas. Los motivos eran muchos; me gustaban los guiones, las interpretaciones, la dirección... Ahora quiero hablar de las 10 películas que mayores emociones me han despertado.

Cuando hablo de emociones me refiero a sensaciones, cosas que cuando ves la película en cuestión no puedes explicar, pues despiertan algo dormido dentro de ti. El cine es un arte y una de las misiones del arte es despertar emociones, sugerir sensaciones, sentimientos...

Intentaré explicar lo que sentí y siento viendo cada una de las películas que expongo a continuación.

EL ESPEJO (Andréi Tarkovsky)

Hablar de "EL ESPEJO" es, en cierta parte, estropear una de las experiencias más absolutamente maravillosas, mágicas, envolventes y extrañas que cualquier aficionado al cine puede tener. 

"EL ESPEJO" es una película inclasificable porque no atiende a convencionalismos, ni temáticos ni dramáticos. Se supone que es una mezcla de recuerdos de niñez del director, momentos personales que estaba viviendo durante la preparación de la película, algo de ficción y alguna que otra secuencia onírica que, sin lugar a dudas, te pone los pelos de punta.

La sensibilidad del director para filmar el agua, el fuego, el rostro e incluso el paso del tiempo, se pone de manifiesto en cada uno de los planos del film.

A mi mente vienen algunas secuencias y planos donde un travelling, un plano detalle y/o el sonido del viento, me conecta con aquello que está pero no percibimos.

No puedo decir nada más. Hay que verla. 

BLADE RUNNER (Ridley Scott)

Bajo la apariencia de "Blade Runner" yace una historia tan antigua como el hombre. La necesidad de saber la verdad, cueste lo que cueste. Como en "Edipo Rey", los replicantes van buscando respuestas a su existencia, y como en "Edipo Rey", las respuestas suponen pagar un alto precio por ellas. De ahí los planos de ojos que ven u observan.. De ahí que, preguntar por la verdad, también suponga perder la visión...

Todo en "BLADE RUNNER" me conecta a un mundo oscuro pero atractivo, hermoso... Sexual. Desde la puesta en escena, a la música y/o los decorados... "BLADE RUNNER" es una auténtica maravilla visual que pone en funcionamiento todos tus sentidos.

La escena del piano o la escena en la cual una replicante muere atravesando unos espejos, son ABSOLUTAMENTE sensoriales. De ahí que en ellas nadie hable,  y sea la imagen y el sonido los verdaderos protagonistas.

El momento en el cual Deckard se toma una copa en su balcón, frente a la ciudad de Los Ángeles sumida en la lluvia y la oscuridad, es simplemente memorable. Dura en torno a diez segundos, pero hay mucha verdad en ellos.

EL ESPIRITU DE LA COLMENA (Víctor Erice)

Víctor Erice es, además de un cineasta apabullante, un poeta de la imagen. Basta con ver cualquiera de sus películas para darnos cuenta que su talento sobrepasa la pantalla.

La película es, quizás, una de las mejores muestras sobre la infancia en el cine, y por lo tanto, expresa muy bien todo lo que se puede llegar a sentir en esa edad. Los juegos, los miedos, la familia, el colegio... 

Una película en la que hablan poco, muy poco... Tampoco hace falta. Erice transmite con la cámara y con el sonido, y todo ello crea un juego maravilloso de espejos, reflejos, luces y sombras.

La escena del reloj ( que a cualquier guionista normal le hubiese costado cinco, seis y siete páginas de diálogos absurdos), la resuelve Erice con tres escenas breves, pero intensas, todas ellas unidas por unos fundidos llenos de significado. Cuando Ana, en la mesa, ve que su padre tiene el reloj, lo entendemos todo. 

Todo ello, sin palabras. Maravilloso.

EL SUR (Víctor Erice)

"El sur" narra la historia de una hija que descubre los secretos de un padre que siempre está ausente, ya sea física o emocionalmente.

Erice construye una historia sobre el paso de la infancia a la madurez que está llena de momentos intensos, mágicos, casi oníricos... Únicos.

Lo confieso; cuando veo la escena de la comunión, tanto la parte de la iglesia como la parte del restaurante, donde padre e hija bailan un pasodoble ante la atenta mirada de todos los familiares, se me pone la carne de gallina, y de pronto entiendo que la grandeza del cine es hacernos creer que todo lo que estamos viendo nos pertenece. Como nuestra vida... Nuestra historia.

Erice remata la película con una escena completamente distinta pero donde se oye el mismo pasodoble que la escena anterior, y entonces entendemos de pronto que para la protagonista de nuestra historia, su padre, hace ya mucho tiempo que murió.

Erice es grande. Lástima que su grandeza sea, en gran medida, su sombra.

EL ECLIPSE (Michelangelo Antonioni)

Amo ésta película por encima de todas las cosas, y la amo porque todo el mundo ha vivido, alguna que otra vez, un "eclipse".  Para el director, el eclipse es aquel momento en el cual, quizás por miedo o desidia, nos negamos al amor, pues la realidad es extraña y no es momento de iniciar el camino de la vida junto a otra persona.

Lo que me fascina de "el eclipse" son sus momentos muertos pero llenos de significado. Cuando Monica Vitti recorre los espacios poblados o vacíos que inundan el film siento que Antonioni está haciendo una feroz y certera radiografía sobre el ser humano del siglo XX.

Es entonces cuando no puedo evitar perderme en la película, perderme en sus espacios, en sus rostros... Perderme en Monica Vitti y entender de pronto que la realidad es extraña en sus pequeños detalles.

Una película imprescindible que me acompaña desde hace doce años. Yo en realidad quiero hacer algo así... Pero siempre me sale algo completamente distinto.

Antonioni es único.

AMANECER (Murnau)

El cine mudo está de moda ahora, pero para mi siempre lo ha estado. Es el cine más puro, claro y limpio que se ha hecho jamás. Recurre a las imágenes para crear asociaciones mentales llenas de sentimiento y significado.

Que Murnau era un maestro del cine no es nada nuevo. De hecho lo sigue siendo.  "Amanecer" relata una historia tonta, quizás hasta facilona... pero da igual, y da igual porque su poder de sugestión es impresionante, pase el tiempo que pase.

A lo anterior se une la magia del cine primigenio, de aquel cine clásico que estaba naciendo a nuevas posibilidades. 

Incluso cuando los intertítulos interpretan lo que se está viendo, sabemos que nos encontramos ante algo grande. Muy grande.

Es posible que "AMANECER" sea de las diez mejores películas de la historia del cine, y es una lástima que ahora que el cine mudo está de moda nadie la reivindique como totalmente imprescindible para entender la grandeza del cine.

MOTHER (Joon-ho Bong)

Ni Scorsese, ni Spielberg, ni Tarantino, Ni Trier... Para mí, el mejor director de la actualidad es éste Coreano maravilloso cuya nueva película es todo un acontecimiento.

Joon-ho Bong hace cine de género (terror, thriller...) con una sensibilidad que raya lo Lorquiano, pues dentro de sus propuestas, más o menos comerciales, late esa pasión por el sufrimiento, la sangre y la familia que hace de las obras de Lorca piezas maravillosas.

Está claro que se puede pensar que un poeta granadino y un cineasta coreano no tienen nada que ver... Sí, se puede pensar. Pero después de ver "MOTHER" te das cuenta que lo que une a un genio con otro son los mismos mecanismos que utilizan para contar una historia; PASIÓN y EMOCIÓN.

"MOTHER" es, sin dudarlo, una de las mejores películas de los últimos años, una pieza maravillosa que dentro de pocos años se reivindicará como pieza maestra de una cinematografía que está más viva que nunca.

El plano final de la película, tan mágico como extraño y sugestivo, me produjo un verdadero torrente de emociones que, a día de hoy, aún recuerdo.

LA DOBLE VIDA DE VERÓNICA (Kieslowski)

Cineasta maestro para explicar aquello que no se puede contar con palabras, el cineasta polaco cuenta en "la doble vida de Verónica", algo en lo que todos hemos pensado alguna vez; "¿habrá alguien igual que yo en el mundo?".

La historia de dos almas gemelas separadas por el espacio, pero no por el tiempo, se antoja en la película mágica, onírica, sensual, maravillosa, melancólica, triste... Y nadie como su director para expresar por medio de imágenes y sonidos todas esas sensaciones.

Desde un reflejo que persigue a la protagonista, a una función de ópera, pasando por una bola de cristal que refleja el mundo al revés, o un sonido de una puerta que se abre, "la doble vida de Verónica" es una película que sólo debes sentir.

Te atrapa. No te suelta.

LAS NOCHES DE CABIRIA (Federico Fellini)

Fellini nunca fue neorrealista. Por mucho que muchos estudiosos se empeñen en colgarle ese San Benito a su primera etapa, Fellini siempre fue un director emocional e imaginativo, que no creía en el cine como instrumento para cambiar y hablar de la realidad. Para él, CINE era sinónimo de MAGIA e ILUSIÓN.

"Las noches de Cabiria", otra de sus incontables obras maestras, narra la historia de Cabiria, una prostituta confiada y soñadora que desea cambiar de vida. Lo que parece un argumento melodramático, es en Fellini una muestra vital y enérgica de toda su capacidad sensitiva y cinematográfica.

Es complicado no emocionarse con la narracción y los momentos que el maestro propone en una de sus películas más accesibles y recordadas. Desde el principio hasta el final, el rostro de Cabiria acompaña al público por un mundo cruel y absurdo donde la única solución es soñar... Cueste lo que cueste.

Al final, Cabiria mira a Cámara y sonríe. Es uno de los planos más hermosos que he visto en mi vida y tengo la sensación de que Fellini se lo dedicó a cada uno de nosotros.

PERSONA (Ingmar Bergman)

Yo nunca he sido muy de Bergman. Su cine apenas me interesa. Incluso daré una explicación no cinematográfica a mi negación de favor; incluso en sus escritos personales, Bergman demostró ser una persona despreciable... Y, por muy genio que fuese, no puedo alejar esa imagen de él en sus películas.

Pero "PERSONA" me atrapa. Me ata. Me sujeta fuerte a emociones extrañas que he tenido en sueños. Es una película que narra lo que ocurre cuando nos vamos a dormir y nuestra mente se expande más allá de nuestras fronteras físicas y mentales.

Su luz me seduce, su historia me interesa, incluso su interpretaciones me dejan claro que PERSONA es algo fuera de lo común.

A la hora de película, la película ya no es una película, es un trozo de algo que sugiere imágenes y sonidos con una extraña significación que está más allá de nuestra interpretación lógica.

Da igual que no entienda nada. Sé que estoy viendo algo GRANDE porque algo en mí se conmueve.

NOTA; Podría haber puesta en la anterior lista "LA GRAN BELLEZA" y "LAURENCE ANYWAYS", pero ya hablé de ellas detenidamente hace un mes.

También iba a poner ARREBATO, del gran Iván Zulueta, pero ésta película se merece un artículo único.

MIS 10 PELICULAS FAVORITAS

Lo reconozco. Soy un fanático de las listas. No sirven para nada, lo sé, pero me gustan. Son divertidas, intrascendentes y ayudan a ordenadar en tu cabeza todo lo que has visto, oído o leído.

Cuando me preguntan sobre mis diez películas preferidas no lo razono demasiado, en parte porque pienso muy rápido y digo títulos que me gustan mucho y considero imprescindibles en mi educación cinematográfica y/o intocables en mis gustos cinéfilos... pero con la misma rapidez, caigo en la cuenta de que me he dejado fuera otros títulos que me apasionan de la misma manera... o más!

Hoy me han vuelto a preguntar sobre mis películas favoritas y, antes de dar una respuesta rápida e impulsiva, he dicho "déjame pensarlo... y te diré". Pues bien, ya lo he pensado, y tanto para la persona que ha preguntado como para los que leen mi blog, os presento mi respuesta a continuación.

NOTA: De cada película escribo una pequeña explicación donde trato de razonar, ya sea por gustos o por razones cinematográficas, mi elección.

1

EL PADRINO II (Francis Ford Coppola)

 

Muchos dicen y aseguran que la gran película norteamericana es CIUDADANO KANE. Yo pienso que el honor le corresponde a EL PADRINO  II. Se ha hablado y se ha escrito mucho sobre las excelencias de la obra maestra de Coppola y la verdad es que no seré yo ahora el que descubra a la gente sus enormes virtudes como película de altos vuelos. Sólo diré que quizás, dentro de cien o doscientos años, cuando la gente busque información sobre los Estados Unidos, y necesite saber lo que el país representó para la historia de la humanidad en el siglo XX, deba acudir a los archivos cinematográficos para visionar la película. Allí obtendrán todas las respuestas que ni cien libros de historia podrán esclarecer. Como película es la cumbre de todo lo que debe tener una buena película; dirección impecable, actores en estado de gracia, un guión perfecto, puesta en escena que raya la perfección... es única. Y EE.UU no ha hecho una película tan brillante y apasionante desde entonces.

2

EL APARTAMENTO (Billy Wilder)

Vi "El apartamento" con doce años y lo tuve claro; era una película grande y yo quería dedicarme a hacer cine.  Desde el primer al último fotograma sentí la historia y los personajes. Por primera vez fui consciente de la ENORME labor que un director y un guionista son capaces de imprimir a una película si deciden hablar desde el corazón... pero con la cabeza. También me percaté del ritmo interno que toda buena película lleva en su interior... imagen y sonido, palabra y actuación... todo unido al mismo compás. Me encanta. Me apasiona. Conozco a los personajes de la película porque yo mismo me he cruzado con muchos de ellos en la vida real. Y me apasiona la visión dulce y amarga que Wilder ofrece sobre nuestra sociedad. En otro orden de cosas considero que, de todas las películas que he visto, "El apartamento" es la que contiene el guión más perfecto.

3

LA DOLCE VITA (Federico Fellini)

Llamadme antiguo (o friki) pero Federico Fellini es mi director favorito. Lo descubrí en mi adolescencia y me vi casi todas sus películas en un año. Las pedía a Italia, me las grababan del Canal Plus o yo las grababa del Canal Sur... Incluso compraba esas horrendas ediciones en VHS que MANGA FILMS editaba con formatos adulterados y sonido enlatado. "La dolce vita" es (o eso dicen), junto con "Ocho y medio", la película más representativa del maestro. Yo sólo puedo decir que a mi me encanta. Me gustó cuando apenas entendía de lo que trataba y me gusta ahora cuando ya entiendo perfectamente lo que Fellini quería decir en esas tres horas fílmicas de movimientos de cámara, música, personajes perdidos, amaneceres, calles de Roma, etc, etc, etc. De hecho, hasta mi primer escrito serio sobre cine que realicé en mi vida, (en la revista del instituto), fue para hablar de LA DOLCE VITA. Podéis pensar que era un muchacho aburrido o algo rarito.... puede ser, no sé...en cualquier caso el impacto que me causó fue brutal y aún no he podido olvidarlo.

4

OCHO Y MEDIO (Federico Fellini)

Seguimos con el maestro; Fellini. "Ocho y medio" es consideraba por muchos expertos y aficionados al cine como una de las cinco mejores películas de la historia... y yo estoy totalmente de acuerdo con esa afirmación. Es mágica, única, extraña, hipnótica, viva, triste, divertida, agotadora, arrolladora, fantástica, tétrica, religiosa, orgásmica.... de otro planeta! Como pieza audiovisual no tiene competidora, y como historia sobre el mundo del cine, de la creación, de los miedos, de las luces y sombras en el mundo del espectáculo no tiene réplica. Es una película que puedes ver un millón de veces y siempre descubrirás algo nuevo. Su cámara te hace viajar y soñar por un mundo donde los personajes te hablan de tú a tú. Contiene, al menos, una docena de las escenas mejor filmadas y narradas de toda la historia del cine y su guión, (del que han debatido y reflexionado psicólogos, escritores, sociólogos, antropólogos, cineastas...) es una maravilla sobre el poder de la palabra. Desde mi punto de vista, si te dedicas al gremio y "Ocho y medio" no te emociona, es que te has equivocado de profesión.

5

LOS PÁJAROS (Alfred Hitchcock)

Viendo "Los pájaros" se aprende más que asistiendo a cien escuelas de cine. En ella está todo lo que tienes y debes saber si te quieres dedicar a hacer cine. Ya sea porque te interesa el guión, la dirección y/o cualquier puesto técnico, en "Los pájaros" encontrarás las respuestas a todas tus preguntas. Para servidor es la película más moderna de la historia del cine (incluso hoy en día), y se merienda con patatas a todos los jovencitos con ínfulas innovadoras audiovisuales que pretender crear escuela y tendencia en el cine de hoy día. De momento ningún filme ha podido superar su manera de narrar una historia con imágenes. Un plano de "Los pájaros" es toda una declaración estética, formal, dramática y emocional. Y eso, amigos, es mucho...!

6

COWBOY DE MEDIANOCHE (John Schlesinger)

Me gusta desde siempre. Es una película viva, atrevida y real sobre la amistad entre dos hombres que se encuentran solos ante una realidad que no entienden, ante una realidad que se hace grande y extraña porque ellos no forman parte de ella. Pertenecen a ese ENORME grupo de personas ignoradas por todos y que viven al borde de la muerte y la desesperación. Es la historia de dos amigos que tratan de sobrevivir aunque sea a base de mentiras. Su dirección y su increíble guión son tan apabullantes que cada vez que la veo pienso "¿Cómo fue posible algo así en el año 1969?". Trata temas delicados de manera natural y sin sensacionalismos baratos, con una humanidad en los personajes que te deja el alma emocionada. Ya no se escribe así. Con ese respeto por los personajes. Por lo que se está contando. Con esa maravillosa cualidad para contar, desde el detalle pequeño, todo un mundo.

7

ROJO (Krzysztof Kieslowski)

En "El desierto rojo" de Antonioni, la protagonista dice en un momento "hay algo extraño en la realidad y nadie sabe explicarlo". Pues bien, en "ROJO" te lo explican perfectamente. Una película maravillosa y mágica que está hecha de sensaciones que se transmiten a través de las imágenes y los sonidos. Estudio sincero y certero sobre el ser humano, sus motivaciones y sus realidades. "ROJO" me ha enseñado más de la vida que la vida misma. Increíble sensación al ver la película de estar conectado a una revelación que de pronto te afirma lo que siempre has sentido; todo está conectado y todo tiene un porqué. Cuando los personajes dejan de hablar y un rayo de luz se cuela por el encuadre o una respiración resuenan en el ambiente, la piel se me pone de gallina y siempre pienso "Kieslowski era un ángel que hablaba de lo que todos no preguntamos de la manera más sencilla y universal". Si me fuese a una isla desierta... me llevaría la película para verla una y otra vez. 

8

WEST SIDE STORY (Robert Wise y Jerome Robbins)

Decía Samuel Fuller en "Pierrot el loco" que el cine debería ser muerte, emoción y amor... en una palabra; acción... Pues bien, "WEST SIDE STORY" tiene todo eso y mucho más. Película perfecta para comprobar de primera mano lo que ofrece la magia del cine cuando un nutrido grupo de profesionales que son los mejores en lo suyo, se reunen para ofrecer al público un viaje a un mundo totalmente desconocido donde TODO, desde el vestuario, al decorado, pasando por la música, el montaje o la dirección, están hechos para despertar la sensación de que en el cine, TODO ES POSIBLE. La película comienza y ahí está todo lo que una película debe ofrecer sin que nada tenga que ser racionalizado: simplemente sentido. Un maravilloso montaje que escribe la película con una caligrafía brillante. Una dirección de fotografía que emociona porque utiliza los colores con un sentido estético y dramático. Una música memorable que resuena en tus oídos una y otra vez. Y la dirección MAGISTRAL de Robert Wise y Jerome Robbins. ¡Viva el cine!

9

HA NACIDO UNA ESTRELLA (George Cukor)

"Ha nacido una estrella" de George Cukor es una película única. La increíble historia de una actriz primeriza e insegura que llega a la cumbre pagando por ello un precio muy alto.  Melodrama "musical" con enorme fuerza cinética, la película de Cukor aglutina lo mejor de un cine que ya no existe; un cine que murió a finales de los sesenta y que cada cierto tiempo los estudios de Hollywood pretenden recuperar sin entender que para hacerlo se necesita una forma de talento que ya está extinto. La película comienza y te atrapa en su mundo completamente maravilloso, y poco a poco, sin apenas darte cuenta, la realidad de la historia, lo oculto tras la belleza cegadora, se revela dura y cruel, y la película se transforma de pronto en un certero y profundo análisis sobre el amor, la ambición, los sueños cumplidos y la muerte. Si a ello le unimos que posiblemente Judy Garland ofrece una de las cinco mejores interpretaciones femeninas de todos los tiempos, tenemos como resultado una pieza maestra única en su especie. 

10

EN LA CIUDAD (Cesc Gay) 

Si la lista, en vez de diez películas, hubiera sido de veinte, habría puesto al menos dos o tres películas españolas que me encantan y están entre mis predilectas. No obstante, tenemos que reconocer que todos nos hemos criado con el cine norteamericano y es normal que el mayor porcentaje de títulos sea de ese origen. 

Aún así, entre mis diez películas favoritas dejo espacio a "En la ciudad", de Cesc Gay, obra capital del cine español de los últimos tiempos y me atrevería a decir que una de nuestras indiscutibles obras maestras. "En la ciudad" me acompaña desde hace once años a todos lados, sus personajes, su guión, algunos de sus momentos y escenas se repiten en mi mente (y a veces en mi realidad), una y otra vez. Es muy complicado no sentirse identificado con algunos de los personajes que pueblan esta maravillosa obra cuyo mérito y mayor baza es partir de lo particular para contar algo general; que pase lo que pase siempre estamos sólos y tendemos a no mostrarnos tal y como somos, quizás por miedo y/o desconfianza. Cesc Gay filma la película de una manera única y peculiar; en planos secuencia, unos planos secuencia que describen perfectamente unos momentos que parecen anodinos pero que, sin embargo, en cuanto profundizas un poco en ellos, te das cuenta que están llenos de una verdad absoluta. Con unos actores (TODOS ELLOS) en auténtico estado de gracia y un final que se queda grabado en la retina... "En la ciudad" también me apasiona porque describe muy bien ciertos aspectos de la ciudad que más amo; Barcelona.